La Fortaleza 172

Cómic “Hecha en el Perú” disponible como historieta digital

2012-01-14T15:07:00.000-08:00

Desde el día de hoy mi cómic “Hecha en el Perú” está disponible como historieta digital en la página web de Perumanga. Haz clic AQUÍ para leerlo.

CÓMIC: Hecha en el Perú - COMPLETO

2012-01-06T16:35:00.000-08:00

Guión y Dibujo: José A. Mamani

CÓMIC: Hecha en el Perú

2012-01-06T16:24:00.000-08:00

“Hecha en el Perú” es una historieta que yo realice en el año 2001 para participar en un concurso de manga (historieta japonesa).
La trama de este comic es bastante sencilla. Es la clásica batalla entre el bien y el mal, la cual en esta historieta es librada por personajes con poderes sobrehumanos.
Esta historieta es la primera que yo hice utilizando un argumento y personajes que yo mismo cree. Anteriormente había hecho un par de historietas basadas en obras literarias por pedido de un amigo.
Para que el acabado de este comic quedara mejor, utilice el programa Photoshop. Los retoques que hice son los siguientes:
- Utilice un filtro para que las hojas lucieran más nítidas.
- Cambie los globos de dialogo y los textos que hice a mano por otros hechos digitalmente. Los sonidos onomatopéyicos hechos a mano no los cambie.
Espero que este comic sea de su agrado y si les gusto no olviden dejar comentarios.

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ZOMBIE WALK - LIMA, PERÚ 2011

2011-11-28T17:49:00.001-08:00

El día sábado 26 de noviembre se llevo a cabo por segundo año consecutivo el Zombie Walk en la ciudad de Lima.
El Zombie Walk es una caminata que se organiza en varias ciudades del mundo y que reúne a personas que se disfrazan como muertos vivientes.
El año pasado el primer Zombie Walk en Lima se realizo en el mes de diciembre y convoco a cientos de personas que convertidas en zombis caminaron por las calles del distrito de Miraflores.
Este año el Zombie Walk volvió a reunir a cientos de personas disfrazadas como los populares no muertos y una vez más inundaron las calles del distrito miraflorino.
El Zombie Walk es un evento que por lo visto ha llegado al Perú para quedarse. Sería interesante que esta divertida caminata se realizara en otras ciudades del país, pero eso es algo que solo el tiempo y la popularidad que este evento cobre cada año podrán lograr.
Las fotografías que acompañan este artículo fueron tomadas por mi hermano Jorge Luis Mamani quien se encargo de cubrir el Zombie Walk para este blog.
Si quieres ver más fotografías de esta caminata, ve a la página de La Fortaleza 172 en Facebook.

Si quieres más información sobre el Zombie Walk Lima 2011, haz clic AQUÍ para ir a la página del evento en Facebook.

Galería 6 - José A. Mamani/Panzer172

2011-11-25T11:20:00.001-08:00

Esta galería contiene dibujos hechos por mí en este año (2011). La galería está compuesta por:
- Dibujos donde plasme ideas para comics.
- Diseños de personajes y un diseño mecánico para mis comics.
A los dibujos (todos hechos a lápiz) les agregue un filtro en Photoshop para que puedan apreciarse mejor.

Galería 5 - José A. Mamani/Panzer172

2011-11-24T14:01:00.001-08:00

Esta galería contiene dibujos hechos por mí en los años 2010 y 2011. La galería está compuesta por:
- Dibujos donde plasme ideas para comics.
- Borradores de hojas de historietas que grafican mis ideas para comics.
- Diseños de personajes para mis comics.
A los dibujos (todos hechos a lápiz) les agregue un filtro en Photoshop para que puedan apreciarse mejor.

Galería 4 - José A. Mamani/Panzer172

2011-11-23T15:32:00.001-08:00

Esta galería contiene dibujos hechos por mí en los años 2007, 2008, 2009 y 2010. La galería está compuesta por:
- Dibujos donde plasme ideas para comics.
- Diseños de personajes para mis comics.
A los dibujos (todos hechos a lápiz) les agregue un filtro en Photoshop para que puedan apreciarse mejor.

Galería 3 - José A. Mamani/Panzer172

2011-11-16T20:32:00.000-08:00

Esta galería contiene dibujos hechos por mí en los años 2001, 2002 y 2003. La galería está compuesta por:
- Dibujos a lápiz y a color donde plasme ideas para comics.
- Borradores de hojas de historietas que grafican mis ideas para comics.
- Diseños de personajes a lápiz y a color para mis comics.
A los dibujos hechos a lápiz y a uno a color les agregue un filtro en Photoshop para que puedan apreciarse mejor.

Galería 2 - José A. Mamani/Panzer172

2011-11-14T17:55:00.000-08:00

Esta galería contiene dibujos hechos por mí en el año 2001. La galería está compuesta por:
- Dibujos donde plasme ideas para comics.
- Borradores de hojas de historietas que grafican mis ideas para comics.
- Diseños de personajes para mis comics.
Todos los dibujos están hechos a lápiz y por esa razón he utilizado un filtro de Photoshop para que estos puedan apreciarse mejor.

Galería - José A. Mamani/Panzer172

2011-11-08T14:36:00.000-08:00

Los dibujos que incluyo en esta galería los hice en los años 2000 y 2001. Los tenía guardados en un folder de manila junto con otros dibujos que también hice por esos años.
Esta galería contiene:
-Dibujos donde plasme ideas para historietas.
-Diseños de personajes para mis comics.
A los dibujos hechos a lápiz tuve que agregarles un filtro en Photoshop para que estos se notaran mejor (los dibujos originales tienen trazos suaves y no se aprecian muy bien por el tiempo transcurrido).

IV Salón Internacional de Humor Gráfico - Lima, Perú 2011

2011-10-18T16:29:00.000-07:00

El IV salón internacional de humor grafico reúne ilustraciones de artistas de varios países del mundo incluido el Perú y este año tiene como tema principal el reciclaje.
Esta cuarta edición se inauguro en el parque Andrés Avelino Cáceres en el distrito de San Isidro y estuvo allí del 1 al 11 de setiembre.
Yo visite y disfrute de esta cuarta edición del salón cuando se exhibía en San Isidro. La gran mayoría de ilustraciones desborda originalidad y hay una gran cantidad de estilos de dibujo presentes.
Mi hermano tuvo la oportunidad de ver esta cuarta edición del salón cuando estuvo con sus amigos en el distrito de Barranco.
El IV salón internacional de humor grafico se exhibió en el parque central de Barranco del 28 de setiembre al 9 de octubre.
Si quieres conocer lugares y fechas de exhibición de este IV salón internacional de humor grafico, haz clic AQUÍ.
Las fotografías que acompañan este post fueron tomadas por mi hermano, Jorge Luis Mamani.
Si quieres ver más fotografías del IV salón internacional de humor grafico visita la pagina de La Fortaleza 172 en Facebook.

Galería - Panty and Stocking with Garterbelt

2011-07-31T19:30:00.000-07:00

Ilustración de pelirroja – Proceso de creación

2011-06-24T16:40:00.000-07:00

La linda pelirroja que posa en la ilustración que sirve como enlace a mi canal de You Tube es un dibujo de mi autoría y a continuación les mostrare su proceso de creación:

1- Este es el borrador de mi dibujo.

2- Hacer una ilustración toma su tiempo dependiendo del nivel de detalle.

3- Una vez que termine de dibujar yo utilice los filtros de Photoshop para que los trazos de mi dibujo lucieran como si los hubiera entintado y para desaparecer los rastros de borrones.
Los filtros funcionan bien solo si un dibujo hecho a lápiz tiene los trazos fuertes.

4- Para colorear mi dibujo use también Photoshop.

5- Al terminar de colorear el dibujo, coloque los logos de You Tube.

6- Finalmente utilice los filtros de Photoshop para darle a mi dibujo el acabado final.
Una pelirroja ha nacido.

La Fortaleza 172 en el primer Free Comic Book Day peruano

2011-05-09T18:24:00.000-07:00

El día sábado 7 de mayo se realizo en el Icpna (instituto cultural peruano norteamericano) de Miraflores (Lima) el primer Free Comic Book Day en el Perú. El Free Comic Book Day es un evento que se celebra el primer sábado de mayo y que nació en los estados unidos hace diez años. Ese día las editoriales y tiendas de comics norteamericanas regalan comics impresos especialmente para esa fecha.
Mi hermano y yo llegamos al Icpna cerca de la una de la tarde y lo primero que nos llamo la atención fue la enorme fila que las personas habían hecho para ingresar al instituto. La cola media casi tres cuadras de largo y el sol aquel día era bastante intenso.
Mi hermano y yo ingresamos al Icpna luego de hacer fila y sancocharnos con el sol por casi una hora. El evento se realizo en la biblioteca del instituto la cual se ubicaba en el tercer piso. Antes de ingresar a la biblioteca se les obsequiaba a los asistentes un comic de Los Vengadores (The Avengers) edición especial para el Free Comic Book Day cortesía del diario Perú 21 (encargado de publicar comics de la Marvel y DC en el Perú).
La biblioteca del Icpna estaba abarrotada y los asistentes se movilizaban con bastante dificultad debido al poco espacio que había. Además por alguna extraña razón no había aire acondicionado y la biblioteca parecía un horno. Obviamente los que más sufrieron con la falta de aire acondicionado fueron las personas que llevaban puestos los disfraces de Super Manco y Saico (personajes del comic Super Manco).
Para ser un Free Comic Book Day hubo muy pocos comics gratis. De las tres publicaciones gratis que se confirmaron para el evento yo solo conseguí dos: el comic de Los Vengadores (el cual mi hermano también obtuvo) y la revista Cuete, la cual contenía historietas de diversos autores. La revista del evento que el Icpna regalaba no alcanzo para todo el mundo (incluidos mi hermano y yo) y la revista gratis (confirmada para el evento) que iba a regalar el grupo Punto Aparte al parecer se acabo temprano porque cuando yo ingrese al evento ya no la estaban obsequiando.
Si alguien quería irse a casa con una bolsa llena de comics lo que tenía que hacer era abrir la billetera y desembolsar sus morlacos. Por ese motivo este primer Free Comic Book Day fue más un evento de venta de comics, lo cual no es malo ya que dio la oportunidad a algunos autores peruanos de mostrar y vender sus creaciones. Y digo algunos porque no estuvieron todos los autores de comic y manga japonés (arte utilizado por gran parte de los dibujantes de historietas en el Perú) que actualmente hay en Lima y en el Perú. Imagino que esto se debió al espacio pequeño que se le dio al evento lo cual espero se corrija para el próximo año si se celebra nuevamente el Free Comic Book Day en el Perú.
Hubo muy pocos cosplayers en el evento siendo una de las presencias más notables la de la hermosa cosplayer Rouse Shinigami.
Para que los asistentes pudieran tomarse fotos con los cosplayers con más comodidad se habilito un aula del Icpna en el mismo piso de la biblioteca.
Mi hermano y yo estuvimos hasta la cuatro de la tarde en el evento (este se realizo de 11 am hasta las 6 pm). En conclusión puedo decir que este primer Free Comic Book Day peruano tuvo una organización aceptable y estuvo entretenido que es lo que finalmente importa. La asistencia de público fue bastante buena lo cual es un buen incentivo para que el Free Comic Book Day sea una fecha que se celebre en el Perú permanentemente.
Espero que para el próximo año el local donde se realice el evento sea más grande, haiga mas expositores y autores, pero sobre todo que haiga mas comics gratis y así el público se vaya contento y con una buena cantidad de cultura a su casa.
Las fotografías que acompañan este artículo fueron tomadas por Jorge Luis Mamani (mi hermano).

Videoclip: Rouse Shinigami - La dulzura de toda una Diosa

2011-04-30T20:12:00.000-07:00

Este videoclip es un tributo a la hermosa y deliciosa cosplayer peruana Rouse Shinigami. Rouse se desempeña como reportera para la página web La Diaria de Daria la cual se encarga de difundir eventos temáticos que se llevan a cabo en el Perú.
Para la edición de este videoclip yo utilice la canción “Come” (ending numero 7 de la serie de anime Inuyasha) la cual es interpretada por la cantante pop japonesa Namie Amuro (ella es también bailarina, productora y actriz).
Si te gusto este video y quieres ver otros videoclips editados por mí, entonces visita el canal de La Fortaleza 172 en You Tube. Gracias por tu visita.

Videoclip: Carmen Pilar Best vs Anita Quicaño - Diosas y Cosplayers

2011-03-11T13:43:00.000-08:00

Este videoclip es un tributo a Carmen Pilar Best y a Anita Quicaño, dos de las mejores y más bellas cosplayers del Perú. Carmen Pilar se desempeña como reportera para las revistas peruanas MasGamers (videojuegos) y Anime Corporation (manga y anime) y Anita se desempeño como reportera para el programa de internet Onigiri TV (manga, anime, cultura asiática y entretenimiento).
Para la edición de este videoclip yo utilice la canción “Dive Into Yourself” interpretada por el grupo de rock japonés High and Mighty Color.
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Videoclip: Anita Quicaño - La Cosplayer de la dulce sonrisa

2011-03-03T16:16:00.000-08:00

Este videoclip es un tributo a la linda y grácil cosplayer peruana Anita Quicaño. Ella se desempeño como reportera para el programa de internet Onigiri TV (manga, anime, cultura asiática y entretenimiento).

Para la edición de este video yo utilice la canción “Kokoro Yo Genshi Ni Modore” la cual pertenece al soundtrack de la película de anime Evangelion Death and Rebirth. Esta canción es interpretada por la cantante japonesa Yoko Takahashi quien es la misma que interpreta el clásico opening de la serie de anime Evangelion: “Zankoku Na Tenshi No Teeze”.

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Videoclip: Carmen Pilar Best - Nacida para ser Cosplayer

2011-02-28T16:31:00.000-08:00

Este videoclip es un tributo a la hermosa Carmen Pilar Best, una de las mejores cosplayers del Perú. Ella se desempeña como reportera para las revistas peruanas Masgamers (videojuegos) y Anime Corporation (manga y anime).
Para la edición de este video, yo utilice la canción “Something Missing” (tema del videojuego Bayonetta para PS3 y Xbox 360) la cual es interpretada por la cantante pop japonesa – británica MiChi cuyo nombre real es Michiko Sellars.
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Videoclip: Vanessa Tello - Una diosa de piel canela

2011-02-06T15:47:00.000-08:00

Este videoclip es un tributo a Vanessa Tello, una hermosa modelo de piel canela y dueña de uno de los mejores culos del Perú. Ella ha ganado el Miss Hawaiian Tropic en el año 2008 y el Miss Colita Reef Perú en el año 2010.

La canción que utilice para este video se titula “illusion” (tema de apertura de la serie de televisión del anime El Hazard) y es interpretada por Invoice.

Si te gusto este video y quieres ver otros videoclips editados por mí, entonces visita el canal de La Fortaleza 172 en You Tube. Gracias por tu visita.

Videoclip: Claudia Abusada vs Tilsa Lozano - Duelo de colas

2011-02-03T16:11:00.000-08:00

Este videoclip es un tributo a mis dos modelos favoritas: Claudia Abusada y Tilsa Lozano. Estas dos hermosas y apetecibles hembras son dueñas de los mejores culos del Perú.

Este video contiene fotografías que muestran a estas dos diosas en todo su esplendor. La canción que utilice se titula Yotaka no Yume (tema de apertura de la serie de anime Zoids Genesis) y es interpretada por el grupo de pop rock japonés Do As Infinity.

Espero que este videoclip sea de tu agrado y si quieres ver más videos editados por mí, visita el canal de La Fortaleza 172 en You Tube. Gracias por tu visita.

Galería – Street Fighter

2011-01-31T17:47:00.000-08:00

Video Análisis de Call of Duty World at War - PS3 y PC

2010-12-10T20:03:00.000-08:00

Call of Duty World at War es un videojuego bélico del genero First Person Shooter publicado por la compañía Activision en el año 2008 y que fue desarrollado por Treyarch, el mismo equipo que se encargo de desarrollar Call of Duty Black Ops, el ultimo titulo de la franquicia y el cual fue publicado en noviembre de este año.

Call of Duty World at War es un videojuego que está disponible para PS3, PS2, Xbox 360, PC, Nintendo Wii y Nintendo DS.

Realizar este video análisis tal como yo lo quería no fue nada fácil. Escribir el guion, grabar mi voz y editar el video me tomo varias horas. Pero al final todo valió la pena.

Espero que este video análisis sea de tu agrado. Y si quieres ver mi videoclip dedicado a los zombies de este videojuego, haz clic AQUÍ.

Por último no olvides darte una vuelta por el canal de LA FORTALEZA 172 en You Tube donde encontraras videoclips dedicados a videojuegos y a chicas lindas. Gracias por tu visita y no olvides dejar comentarios.

Videoclip: Final Fantasy XIII - Bienvenido/a al mundo de Lightning

2010-11-11T20:42:00.001-08:00

Final Fantasy XIII es un juego de video del genero RPG (Rol Playing Game) desarrollado y publicado por la compañía japonesa Square Enix (Dragon Quest, Parasite Eve) y que llego al mercado japonés en diciembre del 2009 y al occidental (América y Europa) en marzo de este año.

Final Fantasy XIII fue mostrado por primera vez en el E3 del año 2006 y originalmente iba a ser exclusivo para el PS3, pero finalmente también fue lanzado para el Xbox 360.

Este videoclip es un tributo a este fantástico juego cuya hermosa e increíble calidad grafica no solo fascina a los fans de la saga sino también a quienes no lo son. La canción que utilice para la edición de este video se llama “Rhythm Emotion” (el ritmo de la emoción) y es interpretada por el grupo de pop japonés Two-Mix. El tema musical es el segundo opening de la serie de anime Gundam Wing.

Gundam Wing es un anime de ciencia ficción de 49 episodios realizado por el estudio de animación Sunrise (Cowboy Bebop, Inuyasha) y cuya transmisión en la televisión japonesa dio inicio en 1995. Además cuenta con una serie OVA (Original Video Animation) titulada Gundam Wing Endless Waltz de 3 capítulos y que fue lanzada en 1996.

El grupo de Pop japonés Two-Mix colaboro con tres temas para este anime: “Rhythm Emotion”, “Just Communication” (primer ending de la serie) y “White Reflection” (tema perteneciente a las OVAs).

Lightning es el nombre de la linda y aguerrida protagonista de Final Fantasy XIII y su participación ya está confirmada en la secuela de Dissidia Final Fantasy para PSP (para beneplácito de sus fans).

Espero que este video sea de tu agrado y si quieres ver más videoclips editados por mí, visita el canal de La Fortaleza 172 en YouTube. Gracias por tu visita.

Videoclip: Call of Duty World At War – Guerra Zombie

2010-10-30T16:48:00.000-07:00

Este videoclip es un tributo al modo nazi zombie incluido en el videojuego bélico Call of Duty World At War el cual fue desarrollado por Treyarch (compañía encargada de la realización de la nueva entrega de la franquicia titulada Call of Duty Black Ops) en sus versiones para PS3, Xbox 360 y PC y lanzada al mercado por Actvision (la misma que ha publicado juegos como Call of Duty Modern Warfare, Guitar Hero y Blur) en el año 2008.

La canción que utilice para la edición de este video se titula “Beauty of Annihilation” (La belleza de la aniquilación) y es interpretada por la cantante norteamericana Elena Siegman. Esta canción la escuche por primera vez cuando vi el trailer del último mapa para el modo nazi zombie titulado “Der Riese”.

Elena Siegman ha interpretado en total tres temas para Call of Duty World At War: “Beauty of Annihilation”, “Lullaby for a Dead Man” (cuya melodía se oye cuando termina la partida en Nacht Der Untoten, el primer mapa del modo nazi zombie) y “The One” la cual fue compuesta para el mapa “Shi No Numa”. Las tres canciones son increíbles y al oírlas uno juega con más intensidad los mapas donde se tiene que sobrevivir el asedio de las interminables oleadas de zombies tanto nazis como japoneses (los cuales son el enemigo en el mapa Shi No Numa).

Espero que este videoclip sea de tu agrado y si quieres ver otros de mis videoclips, visita el canal de La Fortaleza 172 en YouTube. Gracias por tu visita.

Videoclip: Vanquish - Un nuevo soldado del futuro ha nacido

2010-10-29T14:55:00.000-07:00

Este videoclip es un tributo a Vanquish, el nuevo proyecto del maestro japonés Shinji Mikami creador de Resident Evil y director de Resident Evil 4 (uno de los mejores videojuegos de la historia).
Vanquish es un videojuego futurista disponible para PS3 y Xbox 360 cargado de acción y que nos sumerge en un conflicto armado entre Rusia y los estados unidos. El personaje principal se llama Sam Gideon, un tipo rudo que viste un traje especial provisto de la más alta tecnología para derrotar al enemigo.
Si en Resident Evil 4 Leon contaba con la compañía de la linda Ashley Graham, en Vanquish Sam tiene a su lado a la preciosa y curvilínea Ivanova quien tiene la tarea de monitorear el campo de batalla y ayudar a que las misiones se cumplan satisfactoriamente.
La canción que utilice para la edición de este videoclip se titula “Eagle Heart” y es interpretada por la banda Finlandesa de metal Stratovarius.
Espero que este video sea de tu agrado y si quieres ver otros videoclips editados por mí, visita el canal de La Fortaleza 172 en YouTube. Gracias por tu visita.

Galería - High School of the Dead

2010-08-11T10:26:00.000-07:00

Videoclip: Super Street Fighter 4 - Un nuevo torneo comienza

2010-04-30T16:55:00.000-07:00

Este videoclip es un tributo a la nueva versión de la cuarta entrega del popular videojuego de peleas creado por la compañía japonesa Capcom. Las imágenes que he utilizado para este video son de los juegos Street Fighter 4 y Super Street Fighter 4. En cuanto a la canción esta se titula “Kaze Fuiteru” y es interpretada por la cantante japonesa Yuki Kuroda. El tema musical es el primer opening de la serie de anime Street Fighter 2 V (Victory) la cual se estreno en Japón en el año 1995 y tuvo un total de 29 episodios.
Super Street Fighter 4 es un juego que acaba de ser publicado este mes para las consolas PS3 y Xbox360. El aspecto grafico continúa siendo todo un deleite visual y la música no se queda atrás. Pero lo que en realidad hace diferente y mejor a esta segunda versión de la primera la cual fue publicada en febrero del 2009 es la inclusión de diez nuevos personajes, nuevas secuencias de anime, los clásicos bonus stages, un modo de juego mejorado y nuevas opciones online.
Lo diez nuevos luchadores de esta versión son los siguientes: Cody y Guy (Final Fight, Street Fighter Alpha); T. Hawk y Dee Jay (Super Street Fighter 2); Ibuki, Makoto y Dudley (Street Fighter 3) y Juri y Hakan quienes hacen su debut en esta segunda versión de Street Fighter 4.
En definitiva Super Street Fighter 4 es un increíble videojuego que no puedes dejar de tener por nada de este mundo.
Espero que este video sea de tu agrado y si quieres ver mis otros videoclips, no dejes de visitar el canal de La Fortaleza 172 en YouTube. Gracias.

Videoclip: Metal Gear Solid 4 - El viejo héroe

2010-04-20T17:40:00.000-07:00

Metal Gear Solid 4 The Old Hero es un videoclip que yo he editado para rendirle tributo una vez más a la cuarta entrega de la saga creada por Hideo Kojima.
El tema musical que yo elegí para este video se titula “Una pistola per Ringo” y fue compuesto por el maestro italiano de la música para cine Ennio Morricone (El bueno, el malo y el feo, 1966; Navajo Joe, 1966; La misión, 1986; Cinema Paradiso, 1988). “Una pistola per Ringo” es parte del soundtrack de la película del mismo nombre estrenada en 1965 y la cual es todo un clásico del spaghetti western.
Espero que este videoclip sea de tu agrado y si quieres ver mi primer tributo a MGS4, visita el canal de La Fortaleza 172 en YouTube y de paso échale un vistazo a mis otros videos. Gracias.

Nota: Un día después de haber subido este videoclip, YouTube me notifico que mi video podría tener contenido propiedad de Sony Music Entertainment. Si bien YouTube no ha borrado mi video o le ha quitado la música a este, lo que sí ha hecho es bloquearlo para algunos países. Aquí en Perú mi video se ve y oye perfectamente. Espero que en lugar donde tú resides no tengas ningún problema para ver o escuchar mi videoclip. Gracias por leer esta nota y no dejes de visitar mi blog.

MGS Peace Walker - La dulce Paz Ortega quiere ser una ídolo del Pop

2010-03-29T18:16:00.000-07:00

Video Games Metal Gear Solid: Peace Walker Japanese Paz Character Song Trailer

XBox 360 Playstation 3 Nintendo Wii

Metal Gear Solid Peace Walker para PSP es uno de los juegos más esperados del año y eso creo que nadie lo puede discutir. Yo tengo el demo en mi PSP y hasta ahora no dejo de jugarlo. El demo de MGS Peace Walker es uno de los mejores que he probado hasta el día de hoy y la calidad de este es solo una muestra de todo lo bueno que nos ofrecerá esta nueva entrega de la saga de Hideo Kojima la cual estará disponible en América a partir del 8 de junio de este año (si es que no hay algún cambio de fecha de último momento).
Ahora que si no quieres esperar tanto y dominas el idioma de la tierra del sol naciente, entonces puedes conseguir la versión japonesa del juego la cual saldrá este 29 de abril.
El gameplay de MGS Peace Walker esta formidable y los nuevos artefactos que tendremos a nuestra disposición nos harán jugar una y otra vez este título. Los gráficos y el audio del juego también están increíbles y la historia, está de más decir, que será tan cautivante y grandiosa como en los anteriores juegos de la franquicia.
Paz Ortega es el nombre de uno de los personajes principales de Peace Walker. Ella es una bella jovencita de cabellos rubios, quien en un videoclip lanzado el 23 de este mes, ella canta el tema “Koi no yokushiryoku” (canción interpretada por Nana Mizuki).
Quienes han jugado el demo de Peace Walker, reconocerán en seguida el escenario donde la linda Paz no solo canta sino que también baila como toda una ídolo pop.
A mí me ha gustado mucho la canción y el videoclip aunque no puede decir lo mismo de varios fans de MGS quienes no están muy contentos de que una canción de pop japonés haya sido usada para promocionar su saga favorita.
Esta canción estará disponible en Japón a partir del 7 de abril junto con el tema “Heavens divide” interpretado por Donna Burke y el cual es parte del soundtrack oficial del juego.
Disfruten de este buen videoclip y si eres un fan a morir de Solid Snake, no te molestes demasiado si no te gusta porque al fin y al cabo esta no es la primera vez que Hideo Kojima se divierte con los personajes principales de su legendaria franquicia.

God of War 3

2010-03-28T20:43:00.000-07:00

Video Games God of War III Launch Trailer

XBox 360 Playstation 3 Nintendo Wii

El 16 de marzo del 2010 será una fecha que los gamers de todo el mundo siempre recordaran porque ese día finalmente fue lanzado God of War 3 uno de los juegos más esperados de todos los tiempos.
En esta entrega final de la trilogía que Sony inicio en el año 2005, Kratos, el fantasma de Esparta, luchara contra los dioses del Olimpo con el único propósito de concretar su terrible venganza.
Argumentalmente God of War 3 tiene todos los ingredientes necesarios para que esta sea una de las mejores entregas de la franquicia. Además en este juego existe la posibilidad de que nos topemos con el famoso hermano de Kratos de quien solo se sabe que es considerado el mejor guerrero del inframundo.
Visualmente este juego explota al máximo la potencia grafica del PS3 y en cuanto al soundtrack, este es absolutamente soberbio. Por otro lado God of War 3 es considerado el más violento y brutal de la saga y eso es algo de lo que muchos se dieron cuenta tras jugar el demo que fue lanzado en el E3 del 2009. Galones de sangre serán derramados en God of War 3 para deleite de los gamers amantes del gore.
El gameplay de este juego no ha cambiado demasiado con respecto a los títulos anteriores y tampoco esperes una cámara manejable. En ese sentido no te sorprendas mucho si al ver God of War 3 por primera vez, sientas como si estuvieras viendo los dos primeros juegos, pero con mejores gráficos. Por lo visto la gente de Santa Monica Studio no quiso experimentar mucho con God of War 3 y decidieron dejar intactas las bases que han hecho exitosa a esta franquicia. Pero no vayas a pensar que por esa razón no encontraras nuevas aportaciones en este juego. Los quick time events en primera persona o el poder sacarle las entrañas a los enemigos son solo algunas de las novedades que hallaras en este excelente titulo.
God of war 3 es el final de la historia de Kratos, pero no el de la franquicia. Esto ya lo ha asegurado el mismo Stig Asmussen, director de esta última entrega de la sangrienta franquicia. Afortunadamente él ha sido muy claro en señalar que no sacaran juegos solo para explotar la franquicia y que se tomaran su tiempo para que las próximas entregas sean tan buenas como la trilogía original.
God of War 3 es una joya de los videojuegos que definitivamente debe de estar en tu colección. Jugarlo es una experiencia única y que no te puedes perder por nada de este mundo.

The Last Guardian

2010-03-28T20:37:00.000-07:00

Video Games The Last Guardian E3 09: Debut Trailer

XBox 360 Playstation 3 Nintendo Wii

Fumito Ueda es un nombre que los gamers de todo el mundo tenemos grabado en nuestras mentes gracias a las dos obras maestras que este genio japonés nos regalo: Ico (2001) y Shadow of the Colossus (2005).
A pocos días de iniciar el E3 (Electronic Entertainment Expo) del año pasado, apareció en el internet el trailer de un nuevo videojuego titulado Trico y el cual era dado a conocer como el esperadísimo tercer proyecto del Team Ico (liderado por Fumito Ueda).
Sony no afirmo ni desmintió nada lo cual hizo pensar a algunos que posiblemente dicho trailer podría ser un “Fake”.
Personalmente yo veía muy difícil que el trailer de Trico se tratara de un video hecho por fans ya que este tenía un acabado bastante profesional y todas las características de los dos juegos emblema de Fumito Ueda.
Finalmente todo el misterio alrededor de Trico se disipo en la conferencia de prensa que Sony dio en el E3 del 2009. Trico sí era el nuevo proyecto del Team Ico, pero este seria conocido internacionalmente como The Last Guardian. Por otro lado si bien el trailer de The Last Guardian mostraba casi todo lo mismo que el de Trico, este estaba mucho más elaborado gráficamente y además nos daba una muestra de cómo sería el gameplay en este nuevo título.
The Last Guardian narrara la historia de la relación entre un niño y una enorme criatura parecida a un grifo quienes están atrapados en una antigua y gigantesca ciudadela. Los detalles de los escenarios son muy parecidos a los ya mostrados en Ico y Shadow of the colossus aunque Fumito Ueda no ha dicho nada al respecto sobre si The Last Guardian tendrá alguna conexión argumental con sus anteriores juegos.
En el Tokyo Game show del 2009 se mostro otro trailer de The Last Guardian, pero este no era tan hermoso y épico como el primero. Por otro lado se dice que el trailer de Trico habría sido mostrado a puertas cerradas a un grupo de la prensa especializada en el E3 del 2008. Este hecho habría sido confirmado por periodistas que fueron parte de este grupo, aunque a estas alturas dicho suceso ya no tiene la menor relevancia.
Hasta el día de hoy ni Sony ni Fumito Ueda han dicho nada al respecto sobre para cuándo saldrá este esperadísimo juego. Ojala que en el E3 de este año se de alguna fecha tentativa. Lo que sí nadie duda es que The Last Guardian será una nueva joya de los videojuegos y un motivo más para tener una Play Station 3.
El trailer que adjunto con este articulo es el que se mostro en el E3 del 2009. Dicho trailer es una verdadera obra de arte y es considerado con toda justicia como uno de los mejores trailers de la historia de los videojuegos. Disfrútalo.

Análisis de El secreto del abismo/The Abyss

2010-02-03T12:00:00.000-08:00

Avatar (2009), la última superproducción cinematográfica del canadiense James Cameron, se ha convertido en la nueva cinta más taquillera de la historia, quitándole ese título a Titanic (1997), filme escrito y dirigido también por James Cameron.
Como era de esperarse Hollywood no podía dejar der incluir a Avatar en los permios Oscar de este año. Las nueve nominaciones que Avatar ha obtenido, entre las que se incluyen obviamente la de mejor película y la de mejor director, son una clara muestra de que la academia quedo rendida ante el mundo de Pandora .
Avatar es una película que ha cautivado a miles de personas en todo el mundo gracias a sus increíbles efectos especiales y a su fantástica historia. Sin embargo, yo como fan de los filmes de ciencia ficción de Cameron, debo comentar que aunque Avatar es una buena película, esta no llega a ser tan grandiosa como Aliens (1986), Terminator 1 y 2 (1984,1991) o The Abyss (el secreto del abismo, 1989).
Yo me emocione mucho cuando mire en el cine el primer teaser de Avatar. Ese teaser me hizo tener grandes expectativas por la película, las cuales finalmente no fueron saciadas. Como escribí líneas arriba, Avatar es simplemente buena y su verdadero atractivo radica en el aspecto visual.
Yo he visto la película tanto en 3D como en forma convencional y verla en 3D lo único que hace es mejorar la experiencia visual.
James Cameron declaro antes del estreno de Avatar que si el filme era exitoso comercialmente, él haría dos cintas más para completar una trilogía. Espero que Cameron muestre todo su potencial cinematográfico en los siguientes filmes de la franquicia y de ese modo nos regale maravillosas películas de ciencia ficción como las que nos ha regalada años atrás. Y una de esas joyas es obviamente El secreto del abismo.

El secreto del abismo es una película escrita y dirigida por James Cameron en 1989 y protagonizada por Ed Harris (el mayor Konig en Enemy at the gates, 2001) como Virgil “Bud” Brigman, Mary Elizabeth Mastrantonio (Gina Montana en Scarface, 1983) como la doctora Lindsey Brigman y Michael Biehn (el cabo Dwayne Hicks en Aliens y Kyle Reese en The Terminator) como el teniente Hiram Coffey.
The Abyss narra la historia de un grupo de personas que trabajan en una plataforma petrolera submarina y que son contratados para rescatar a los tripulantes de un submarino norteamericano que tras un extraño accidente termina en el fondo del mar. Los trabajadores de la plataforma, encabezados por su capataz Bud Brigman, tendrán como apoyo a un equipo SEAL liderado por el teniente Coffey. Al grupo también se une la doctora Lindsey Brigman, diseñadora de la plataforma y esposa de Bud. Lindsey y Bud están separados, pero ambos tendrán que dejar sus problemas personales a un lado para obtener éxito en su misión.
Los protagonistas no estarán solos debajo delo mar y con el tiempo descubrirán que hay misteriosos seres de luz que los observan y que no son precisamente de este planeta.
Una tormenta y la paranoia que el teniente Coffey sufrirá debido a que él no puede soportar la presión submarina pondrán en dificultades a los tripulantes de la plataforma submarina quienes lo único que desean es cumplir con su misión y regresar a casa.

El secreto del abismo es un filme increíble lleno de magníficos efectos especiales (hechos por Industrial Light and Magic, empresa fundada por George Lucas), pero que sobre todo cuenta con una historia maravillosa que se disfruta de principio a fin. Clara muestra de esto es que uno puede disfrutar por igual tanto las escenas fantásticas como aquellas en donde se ven los conflictos que hay entre los distintos personajes. La excelente calidad interpretativa de los protagonistas hace que cada parte del filme se disfrute al máximo.
La música del filme fue compuesta por el maestro Alan Silvestri (Predator, 1987; Quien engaño a Roger Rabbit, 1988) quien nos regala un soundtrack de antología y que debe estar en la colección de un verdadero cinéfilo o melómano.
Con respecto al doblaje en español (audio latino) este es realmente bueno. Claro que en este caso me estoy refiriendo al doblaje original del filme.
Espero que no hayan redoblado esta película, porque cada vez que redoblan un filme este termina con un doblaje inferior al original.
El desenlace de El secreto del abismo es asombro y perfecto y cierra con broche de oro este gran trabajo del cineasta James Cameron.

El secreto del abismo nos muestra una visión bastante original del contacto entre los seres humanos y los extraterrestres. Si pensabas que en Avatar era la primera vez que Cameron presentaba extraterrestres que brillan pues te equivocas.
Este filme es todo un clásico de la ciencia ficción y un trabajo en el cual se refleja todo el verdadero potencial de un cineasta como James Cameron.
Si quieres vivir una verdadera experiencia visual y disfrutar de una historia envolvente y fantástica, entonces no dejes de ver El secreto del abismo y descubre por ti mismo todo lo que habita en lo más profundo del mar.

Galería - Jill Valentine/Resident Evil 5

2010-01-27T16:17:00.000-08:00

¡FELIZ AÑO NUEVO 2010!

2009-12-31T10:29:00.000-08:00

Un año más ha terminado y LA FORTALEZA 172 sigue en pie. A pesar de que han sido pocos los comentarios que han dejado en mi blog este 2009, han sido las visitas recibidas el mejor aliciente para seguir adelante. Soy consciente de que muchos de los que llegan a mi blog lo hacen para hallar la información que están buscando y luego no vuelven otra vez. Las personas que tenemos un blog conocemos muy bien eso y por eso sentimos mucha satisfacción cuando vemos que alguien nos dejo un comentario lo cual quiere decir que a esa persona le gusto o quiere saber más de lo que hemos publicado.
Yo cree este blog en octubre del año 2007 con la intención de publicar artículos sobre los temas que me agradan. El trabajo y otras obligaciones no me han permitido publicar tanto como yo he querido, pero al menos siempre he publicado un post al mes para de esa manera mostrar a los visitantes de mi blog que yo no he abandonado LA FORTALEZA.
Pues bien, antes de terminar este post de fin de año, quiero desde aquí darles las gracias a la gente de la revista peruana de videojuegos MASGAMERS por haber puesto dos de mis videoclips en los DVD’S de su revista. Y por supuesto también quiero darles las gracias a todas las personas que visitaron mi blog este 2009, pero sobre todo a quienes dejaron comentarios. Muchas Gracias.
Espero que este año 2010 sea mejor para todo el mundo y ojala no haiga tantas malas noticias como en el 2009. Disfruta de esta noche, pero sin excesos y da lo mejor de ti este nuevo año para que así consigas alcanzar todas tus metas. FELIZ AÑO NUEVO 2010.
Posdata: Las féminas que ves en la imagen que adjunte con este post son cuatro de las actrices porno más apetecibles de la industria americana. Disfrútalas. Y si eres mujer también.

Análisis de Resident Evil 4

2009-11-01T11:39:00.000-08:00

Leon S. Kennedy es un agente del gobierno norteamericano que es enviado a Europa con la misión de encontrar y rescatar nada menos que a Ashley Graham, la hija del presidente. Siguiendo las pistas que él tiene, Leon llega hasta un pueblo en tierras españolas. En ese lugar se da cuenta que los habitantes de la zona no son nada hospitalarios y que cumplir su misión no será nada fácil. Poco a poco Leon ira involucrándose en una aventura mucho mas aterradora que la que él vivió en Raccoon City y tendrá que usar al máximo todas sus habilidades en combate si es que él desea sobrevivir a esta nueva pesadilla junto con la bella Ashley Graham.
Resident Evil 4 es un juego de video desarrollado y publicado por la compañía japonesa Capcom. El maestro Shinji Mikami, creador de la saga Resident Evil, estuvo a la cabeza del equipo que se encargo de la realización de este increíble juego que es considerado por la mayoría de gamers alrededor del mundo como una obra maestra.
Resident Evil 4 es un juego que fue lanzado en exclusiva para el Nintendo Game Cube el 11 de enero del año 2005. Sin embargo, el 25 de octubre de ese mismo año Capcom lanzo el juego para el PS2. Pero además de estas dos versiones hay una para PC lanzada por Capcom y Ubisoft el 15 de mayo del 2007, una para el Nintendo Wii lanzada el 19 de junio de ese mismo año, una para iphone lanzada el 27 de julio de este año y actualmente Capcom prepara una versión para celular.
La historia de Resident Evil 4 toma lugar seis años después de la destrucción de Raccoon City, un suceso que provoco la posterior caída de la corporación Umbrella. El protagonismo en esta oportunidad recae en Leon S. Kennedy, el policía novato de Resident Evil 2 que ahora es todo un agente del gobierno estadounidense. Mientras busca de Ashley Graham, Leon descubre que quien está detrás del secuestro de la hija del presidente es un temible sujeto llamado Osmund Saddler quien lidera una secta religiosa conocida como Los Iluminados. Saddler pretende usar a Ashley para infectar los estados unidos con un nuevo virus llamado Las plagas. Obviamente Leon no permitirá que eso ocurra y para evitarlo él deberá de enfrentar a los peligrosos esbirros de Saddler.
Resident Evil 4 es un juego, que si bien no lo espere con tanta expectativa como si lo hice con Resident Evil 2, en un titulo que en cuanto lo jugué lo convertí de inmediato en uno de mis favoritos. Esta joya de los videojuegos no solo cuenta con impecables gráficos y un excelente soundtrack sino también con un modo de juego que llevo a la franquicia a un nuevo nivel. En Resident Evil 4 la cámara se coloca detrás del personaje principal y al momento de apuntar podemos hacerlo hacia cualquier lugar que esté a nuestro alrededor. Este cambio se hizo para que los combates se hicieran más intensos y no tuviéramos inconvenientes al momento de ver por dónde venían los enemigos. Y es que la acción en Resident Evil 4 es constante lo cual convierte a este título en el juego con más acción de toda la saga (junto con Resident Evil 5 que sigue el mismo estilo de juego que su predecesor). Y para que toda esa acción la vivamos al máximo, Resident Evil4 nos ofrece una amplia variedad de armas las cuales podremos ir mejorando conforme avancemos en el juego. Claro que tampoco hay que olvidar los famosos Quick Time Events, escenas de video las cuales no solo debíamos observar sino también jugar presionando los botones que aparecen en pantalla.
Si bien la premisa de Resident Evil 4 puede resultar bastante simple (rescatar a la hija del presidente), conforme vamos avanzando en el juego nos damos cuenta que la trama se va haciendo más interesante. A lo largo del juego hacen su aparición personajes clave de la saga como Ada Wong y Albert Wesker así como otros nuevos como Luis Sera, un investigador español que busca sacar a la luz los siniestros planes de Los Iluminados y Jack Krauser, un ex agente norteamericano que trabaja para Los Iluminados.
En Resident Evil 4 el repertorio de enemigos se ha cambiado completamente. Los zombis han sido cambiados por Ganados, personas infectadas por las plagas y que están a las órdenes de Saddler. Estos enemigos además de ser más rápidos que los clásicos zombis usan armas lo cual los hace mucho más peligrosos. Por otro lado las criaturas que aparecen en el juego son quizás las más temibles y difíciles de vencer en toda la saga de Resident Evil. Garradores, Novistadores y Regeneradores son solo tres de las clases de nuevos monstruos que debutan en la franquicia. Estos tres tipos de criaturas son difíciles de derrotar lo cual le da a la juego un elevado nivel de reto. Los jefes tampoco se quedan atrás. Estos son enormes y en su mayoría difíciles de derrotar. El juego tiene al inicio solo dos niveles de dificultad: fácil y normal, pero en cuanto terminas el juego en normal se habilita el nivel profesional. Si realmente quieres vivir al máximo Resident Evil 4 entonces debes de jugarlo en nivel profesional. Es como jugar un juego totalmente nuevo. La aventura en este modo te exigirá al máximo, pero es una experiencia que no puedes dejar pasar.
Una vez que acabas Resident Evil4 (lo cual toma unas veinte horas aproximadamente), habilitas una serie de extras que hacen mucho mas valioso el juego. Hay algunos extras que la versión para Nintendo Game Cube no tiene y que la versión para PS2 sí. En cambio la versión para el Nintendo Wii sí tiene todos los extras que la versión de PS2 tuvo. El mini juego Los Mercenarios (disponible en las tres versiones) es uno de los mejores extras del juego. En este mini juego nuestro objetivo es eliminar a cuantos enemigos podamos para de ese modo ganar puntos que nos ayudaran a desbloquear nuevos personajes para usar en este adictivo mini juego. Son cuatro escenarios los cuales podremos elegir en este mini juego y además tendremos a nuestra disposición cinco personajes si es que llegamos a habilitarlos a todos. Pero quizás la razón más fuerte para jugar este mini juego sea la posibilidad de obtener la Hand Canon, el arma más poderosa de todo Resident Evil 4. Para conseguirla debemos de obtener cinco estrellas con todos los personajes en todos los escenarios. Un reto bastante difícil, pero que con esfuerzo puede ser superado.
Mención aparte merecen las bellezas que aparecen en esta cuarta entrega de la saga de Shinji Mikami. Ashley Graham y Ada Wong son las dos féminas quienes nos deleitan con sus hermosos rostros y deliciosas anatomías en este sensacional juego. Y para beneplácito de los fans de estas dos diosas, existe una colección de ilustraciones dedicada a las chicas de Resident Evil hecha por el artista hentai japonés Eroquis. Si quieres saber más acerca de esta colección cuya protagonista principal es Ashley Graham (lo cual yo agradezco mucho), ve a este ENLACE.
Resident Evil 4 es un juego que no puede faltar en la colección de un verdadero gamer. A pesar de que este tiene grandes dosis de acción, el juego continua teniendo los elementos principales que caracterizan a la saga como hierbas para combinar, ambientes aterradores (el castillo de Ramon Salazar y la isla son dos muy buenos ejemplos) o la clásica documentación para guardar que nos ayuda a saber más detalles sobre la trama del juego.
Luego de Resident Evil 4, Shinji Mikami dejo Capcom para trabajar en otros proyectos. De no volver a dicha compañía, quizás Resident Evil 4 se convierta en su despedida de la franquicia. De volverse esto realidad sería una gran pena para los fans de la saga, pero por otro lado no habría que reprocharle nada al señor Mikami puesto que dejo la saga ofreciéndonos una magnifico juego lleno de momentos memorables y grandes cantidades de diversión. Así que ya lo sabes, si quieres jugar el mejor juego de survival horror hasta la fecha, compra o alquila cuanto antes este juego y acompaña a Leon S. Kennedy en una de las mejores aventuras de toda la saga.
El video (editado por mí) que adjunto con este articulo contiene imágenes de la primera versión de Resident Evil 4 y de la versión definitiva. Este video también contiene las cubiertas de Resident Evil 4 para Nintendo Game Cube, PS2 y Nintendo Wii. La pista musical se titula “Save Rebecca” y es parte de la banda sonora de Resident Evil Zero. La escena de video que sirve como Intro es del video juego Resident Evil 4.

Videoclip: Claudia Abusada - Nacida para ser amada

2009-10-30T11:08:00.001-07:00

Claudia Abusada es una hermosa modelo y anfitriona peruana a quien yo considero como mi favorita hasta el día de hoy. “Claudia Abusada: Nacida para ser amada” es un merecido tributo que yo le hago a esta magnífica hembra de cabello castaño y deliciosa figura. El video contiene las mejores fotografías de Claudia Abusada que yo he podido encontrar en el internet. La canción que yo he usado para este tributo se titula “Kiri” y es interpretada por el grupo de rock japonés Monoral. “Kiri” es el tema de apertura de la serie de anime Ergo Proxy.

Disfruta del video y si quieres ver más videoclips editados por mí, visita el canal de La Fortaleza 172 en YouTube. Gracias por tu visita.

Análisis de Shadow of the colossus

2009-10-28T21:17:00.000-07:00

Wander es un joven guerrero, quien montado en su fiel corcel Agro, recorre un largo camino con dirección a una tierra a la cual los seres humanos tienen prohibido entrar. Wander lleva sobre su caballo el cuerpo inerte de Mono, una bella joven de cabello color azabache y enfundada en un precioso vestido. Revivir a Mono es la razón por la cual Wander se adentra en un antiguo y enorme templo que yace en la tierra prohibida. En dicho templo habita un espíritu que se hace llamar Dormin quien le promete a Wander traer a Mono de vuelta a la vida si es que él derrota a los dieciséis colosos que habitan por toda la extensa tierra prohibida. Sin pensarlo dos veces Wander acepta ir a derrotar a esos dieciséis gigantes para de esa manera ver a Mono viva otra vez.
Shadow of the colossus es un juego de video para la consola PS2 publicado por la compañía Sony el 18 de octubre del año 2005. El genio japonés Fumito Ueda y el Team Ico (los mismos que realizaron el clásico de culto Ico) fueron quienes se encargaron de desarrollar esta obra maestra de los videojuegos.
Al inicio el proyecto de Shadow of the colossus llevaba el nombre de Nico (Next Ico). Existe un trailer de Nico en el cual se puede observar a cinco guerreros con cuernos en la cabeza (muy parecidos a Ico) montados a caballo y enfrentando a un coloso. Las dos pistas musicales que se oyen en el trailer se pueden escuchar en la versión definitiva de Shadow of the colossus.
Los gráficos de Shadow of the colossus son increíbles. El Team Ico definitivamente exploto al máximo el potencial del PS2 para dotarle al juego de una gran calidad grafica. Cada uno de los dieciséis colosos está muy bien detallado al igual que cada rincón de la tierra prohibida. Por esa razón es que resulta todo un deleite recorrer ese inmenso territorio en busca de los colosos. La apariencia de los personajes humanos así como la de Agro también está muy bien cuidada.
El objetivo en Shadow of the colossus es sencillo: encontrar y derrotar a los dieciséis colosos. Hallar a algunos no será tan difícil, pero habrá otros cuyas búsquedas serán más demandantes. Para derrotar a cada coloso, Wander debe de clavar su espada sobre unos sellos brillantes que cada coloso tiene ubicado en partes estratégicas de sus anatomías. Algunos solo tendrán un sello mientras que otros más de dos. Averiguar cómo derrotar a los colosos es un verdadero reto para quienes juegan Shadow of the colossus por primera vez. Pero lo bueno del juego es que cada batalla contra algún coloso es muy distinta a la anterior. Hay incluso duelos en los cuales debemos de usar a Agro para salir victoriosos. Los movimientos de Wander, Agro y los colosos son variados y muy reales lo cual hace que las batallas se vivan con mucha intensidad. El juego tiene solo un nivel de dificultad al inicio, pero en cuando lo acabas habilitas el modo profesional y el modo Time Attack. La verdad es que el modo profesional no es tan demandante como uno pudiera imaginar. Algunos colosos tienen sellos extras, pero no todos. En cambio si realmente quieres reto, entonces no puedes dejar de probar el modo Time Attack. En dicho modo el objetivo es derrotar a cada coloso en un determinado tiempo. La gracia de juagar este modo es que si derrotas a algunos colosos antes del tiempo que te dan, obtendrás ítems especiales que podrás usar en el juego. Si bien algunos de los ítems especiales que te dan en el modo normal y profesional son los mismos, hay otros totalmente exclusivos.
Pero Shadow of the colossus no solo es un titulo que ofrece excelentes gráficos y una gran aventura sino también una hermosa y magnifica banda sonora. Cada pista que se oye a lo largo del juego es preciosa y realza cada momento importante. Definitivamente las batallas no serian tan épicas y emocionantes si no fuera por este magistral soundtrack. El japonés Kow Otani se encargo de componer esta banda sonora la cual esta recopilada en un disco titulado Shadow of the colossus: Roar of the earth. Sin embargo, a pesar de la gran popularidad que tiene el juego alrededor del mundo, este disco solo está disponible en la tierra del sol naciente. Sí tienes la posibilidad de importar este juego desde Japón, no lo pienses dos veces y hazlo. Esta es una banda sonora que un verdadero fan de Shadow of the Colossus no puede dejar de tener.
Derrotar a todos los colosos en los modos normal, difícil y time Attack no son los únicos retos que el juego nos ofrece. Al terminar el juego uno descubre que hay un hermoso jardín en la cima del templo donde el espíritu de Dormin habita. Para llegar hasta ese sitio uno tiene que tener un gran cantidad de resistencia física (el circulo rosa que esta junto a nuestra barra de energía) y escalar por una camino de pasto que está a un lado del templo. Este es quizás el mayor reto que ofrece el juego y el cual solo con esfuerzo y dedicación puede ser superado. Hay unas salamandras con colas plateadas ubicadas por todo la tierra prohibida. Si comes varias colas plateadas podrás aumentar tu resistencia física lo suficiente como para alcanzar el jardín en la cima del templo.
Shadow of the colossus es una verdadera obra maestra de los videojuegos que nos ofrece una experiencia única e inolvidable. El juego supera con creces todo lo bueno que Ico ofreció para deleite de quienes disfrutaron de la aventura del niño con cuernos. En definitiva este es un juego de colección y que vivirá por siempre en las mentes y corazones de quienes acompañamos a Wander y Agro en su épica y maravillosa aventura.
El video (editado por mí) que adjunto junto con este articulo contiene imágenes del juego y del artbook oficial de Shadow of the colossus. La pista musical se titula “Swift horse” y es parte de la banda sonora del juego. La escena de video que sirve como Intro es del juego Shadow of the colossus.

Análisis de Resident Evil Zero

2009-10-27T10:42:00.000-07:00

El 23 de julio de 1998 el departamento de policía de Raccoon City decide enviar al equipo Bravo de los S.T.A.R.S. al bosque Raccoon con el propósito de averiguar quién o que está cometiendo los horribles crímenes que han estado ocurriendo en esa zona últimamente. Mientras sobrevuelan el bosque, un desperfecto en su helicóptero obliga al equipo a realizar un aterrizaje de emergencia. En tierra firme el equipo Bravo halla un vehículo de la policía militar y a sus ocupantes muertos. Los policías militares fallecidos transportaban a Billy Coen, un ex teniente de los marines norteamericanos, sentenciado a muerte por un crimen de guerra. Al no hallar a Billy entre los muertos, Enrico Marini, líder del equipo Bravo, ordena a sus subordinados que busquen al fugitivo por los alrededores. En plena búsqueda Rebecca Chambers, la joven novata del equipo, encuentra un tren detenido en medio del bosque. Ella sin pensarlo dos veces se dispone a entrar al tren sin saber que ese solo será el inicio de una pesadilla que no solo ella sino todo su equipo vivirán.
Resident Evil 0 es un juego de video desarrollado por la compañía japonesa Capcom y lanzado en exclusiva para el Nintendo Game Cube en Noviembre del año 2002. En un principio este juego estaba planeado para el Nintendo 64, pero finalmente la compañía nipona opto por trasladar el proyecto al Nintendo Game Cube.
Resident Evil 0 es un titulo cuya línea argumental se desarrolla un día antes de que el equipo Alpha de los S.T.A.R.S. (al cual pertenecen Chris Redfield y Jill Valentine) llegue al bosque Raccoon y posteriormente se adentre en la mansión Spencer (eventos que ocurren en el primer juego de la saga). La aventura comienza cuando Rebecca entra al tren abandonado. Dentro del vehículo ella encontrara a Billy Coen quien se convertirá en su compañero. Después de la escena del tren, la acción se trasladara a la mansión del doctor James Marcus, uno de los fundadores de Umbrella y creador del famoso virus T. Este personaje será el villano a quien los protagonistas deberán de vencer si es que quieren salir con vida de esta terrorífica aventura. Por otro lado habrá un par de personajes conocidos de la saga que harán breves apariciones. Estos son nada menos que el enigmático Albert Wesker, líder del equipo Alpha y Willian Birkin, el creador del virus G.
Resident Evil 0 es un juego cuyo aspecto visual es igual al mostrado en el remake de Resident Evil 1, lo cual no es malo, pues dicho remake ya contaba con unos gráficos impresionantes. Aun así se puede notar a lo largo del juego que los desarrolladores se esmeraron por mejorar la calidad grafica con respecto al remake y vaya que lo consiguieron. Cada escenario esta milimétricamente detallado y es todo un deleite observarlos con detenimiento. El nivel de realismo es tan alto que uno realmente se mete de lleno en el juego. Obviamente no solo los escenarios lucen bien sino todo lo que uno observa en la pantalla a lo largo del juego. No por nada el juego requirió de dos discos (al igual que el remake de Resident Evil 1) para conseguir ofrecernos un nivel visual de tan alta calidad.
La música es este juego es otro de los mejores atributos de esta entrega. Al igual que el resto de juegos de la saga, el soundtrack de Resident Evil 0 es magnífico y realza perfectamente cada momento importante del juego. Por ejemplo hay pistas como “Hall” que nos sumergen de lleno en la terrorífica atmosfera del juego mientras que otras como “Save Rebecca” nos hacen vivir la intensidad de la escena en la que oímos esta excelente pista.
En Residente vil 0 el modo de juego tiene un par de novedades bastante interesantes. Por ejemplo en esta entrega debemos de jugar con los dos protagonistas al mismo tiempo y si alguno de los dos muere entonces habremos perdido la partida. En cada momento del juego tendremos la opción de jugar con el personaje que queramos y además elegir si queremos que nuestro compañero combata con nosotros, nos siga o simplemente nos espere en algún lugar. La otra novedad que notaremos en el juego es la ausencia de los clásicos baúles para guardar ítems. En Resident Evil 0 nosotros podremos dejar los ítems en el sitio que queramos y recogerlos cuando los necesitemos. Esta forma de administrar los ítems puede resultar difícil al inicio, pero una vez que uno se acostumbra hasta olvidamos la falta de baúles. Aparte de estas dos novedades, el gameplay del juego es igual al que hemos probado en las tres primeras entregas de la saga.
El juego tiene tres niveles de dificultad: fácil, normal y difícil. Pero si crees que en el modo normal terminaras el juego con relativa facilidad, estas muy equivocado. Resident Evil es uno de esos juegos que ya te exigen al máximo desde el nivel normal. En este juego además de enfrentarte a enemigos ya vistos en los anteriores juegos (zombis, cerberus, arañas gigantes y hunters), lo harás también contra otros nuevos de los cuales destacan el Humanoid Leech. Este nuevo enemigo es una criatura humanoide formada por las sanguijuelas infectadas con el virus T. A este enemigo lo encontraras en varias ocasiones y es quizás uno de los que más dolores de cabeza te darán. Afortunadamente hay un arma con la cual librarte de él fácilmente y no tener que desperdiciar balas que te servirán de mucho para combatir a otros nuevos enemigos no menos difíciles. Ahorrar balas y tener buenas reservas de medicina será la clave para salir bien librado de los peligros que hallaras y para no tener que repetir ciertas escenas una y otra vez.
Una vez que termines el juego y sin importar la calificación que obtengas al final (la máxima es la letra S), obtendrás una llave para acceder a nuevos trajes para los protagonistas así como un mini juego llamado Leech Hunter. El objetivo de este mini juego es recorrer las habitaciones de la mansión de James Marcus y recolectar tantos pendientes leech como puedas. Obviamente habrá enemigos en cada habitación que te harán difícil alcanzar tu cometido. Al igual que en el juego principal, mientras mejor calificación obtengas en este mini juego (la máxima es la letra A) mejores serán los ítems que desbloquearas para usarlos en la aventura principal. Si bien Leech Hunter no resulta ser tan adictivo como el mini juego de los mercenarios de Resident Evil 4, al menos consigue entretener.
Resident Evil 0 es un titulo que definitivamente ningún gamer puede dejar de jugar. Si bien la versión para Game Cube es difícil de hallar hoy en día, una versión para el Nintendo Wii fue lanzada en Japón a inicios de este año. Este juego, que se mantiene igual a la versión de Game Cube, aun no está disponible fuera de la tierra del sol naciente. Sin embargo, es un hecho que Capcom lanzara el juego por estos lares sobre todo si tenemos en cuenta que en Junio de este año la compañía nipona lanzo el remake para Game Cube de Resident Evil 1 para el Nintendo Wii (versión para Wii que hasta antes de esa fecha solo estaba disponible en Japón). Así que solo es cuestión de esperar.
Si quieres conocer el inicio de la gran saga del survival horror del maestro Shinji Mikami, entonces no puedes perderte la increíble y terrorífica aventura que Resident Evil 0 te hará vivir de principio a fin.
El video (editado por mí) que adjunto con este artículo contiene imágenes de Resident Evil Zero para el Nintendo 64 y para el Nintendo Game Cube. La pista musical se titula “Hall” y es parte de la banda sonora del juego. La escena de video que sirve como Intro es del juego Resident Evil The Umbrella Chronicles para el Nintendo Wii.

Análisis de El amor en el rio amarillo/Huanghe juelian

2009-09-30T19:54:00.000-07:00

Owen Neumann es un joven piloto norteamericano cuyo avión es atacado por un barco japonés cerca de las costas de china justo cuando él tomaba fotografías de la zona. Aunque Owen logra librarse de las balas japonesas, su avión queda seriamente dañado lo cual lo obliga a hacer un aterrizaje forzoso. Afortunadamente para Owen, un grupo de soldados chinos lo hallan antes que los japoneses y lo ponen a salvo. Dentro del grupo de soldados hay una bella joven de quien Owen se enamora y a quien él le pone el nombre de Angel. Para que Owen pueda salir de la china ocupada, él tiene que llegar al rio amarillo. Los soldados chinos deciden guiar a Owen hasta el rio para que de esa manera él pueda cruzarlo y llevar las fotografías que tomo al ejército aliado.
El amor en el rio amarillo (Huanghe juelian, 1999) es una película china escrita y dirigida por Xiaoning Feng y protagonizada por el actor estadounidense Paul Kersey quien interpreta a Owen Neumann y por la actriz china Jing Ning quien interpreta a Angel. La trama del filme se desarrolla durante la segunda guerra mundial y mezcla a la perfección el género bélico con el romántico.
El amor en el rio amarillo es una película que yo tuve la oportunidad de ver gracias a un ciclo de filmes chinos que el canal del estado programo hace ya un par de años. La primera ocasión que la vi esta ya estaba comenzada (solo conseguí ver la última media hora). Fue recién la segunda vez que yo vi esta película cuando pude disfrutarla de principio a fin.
El amor en el rio amarillo es una película muy buena la cual, como ya escribí líneas arriba, mezcla perfectamente el género bélico con el romántico. Las escenas de acción están realizadas de una manera increíble y la historia de amor de Owen y Angel está narrada de una forma natural y exenta de momentos empalagosos. Una de mis escenas de acción favoritas es cuando el avión de Owen es atacado al inicio de la cinta, la cual fue filmada sin usar efectos por computadora (en otras palabras, hecha a la antigua).
Este largometraje no contiene un mensaje antibelicista o un argumento imparcial. En todo momento observamos el odio que los chinos sienten contra el ejército japonés por los crímenes de guerra que estos cometen en su país. Crímenes que son mostrados con crudeza y violencia. Este es simplemente un filme bélico de género y como tal su línea argumental está plenamente centrada en la acción de las batallas y en las historias personales del bando “bueno”.
La banda sonora de la película realza muy bien las escenas de acción, drama y romance. El tema que se oye al final del filme (y en algunas otras escenas) es simplemente hermoso. Dicho tema nos transmite al mismo tiempo nostalgia y melancolía e imprime más sentimiento a las escenas en las que se oye.
Si bien la actuación de Paul Kersey es por momentos regular, las buenas interpretaciones de Jing Ning y el resto del elenco chino hacen que ese detalle pase desapercibido.
El amor en el rio amarillo es una magnifica película que no solo nos ofrece excelentes e inolvidables momentos sino también un recorrido fabuloso por la siempre interesante cultura china. En conclusión esta es una película que un verdadero cinéfilo no puede perderse.

En este ENLACE tú encontraras la película completa, pero sin subtítulos en español y también el tema musical que identifica a este formidable filme asiático.

Ashley Graham al desnudo y más

2009-08-24T10:47:00.000-07:00

Resident Evil 4, la obra maestra de Shinji Mikami, es un videojuego que difícilmente alguien amante de los buenos juegos no haya jugado aun. Todos los elementos que este título posee lo convierten en un videojuego que no puede faltar en la colección de un verdadero gamer. Pero entre todas las buenas cosas que este juego nos ofreció, hubo una en especial que hizo que nuestra aventura por tierras españolas se hiciera más agradable y nos hiciera olvidarnos un poco de los horrores que veíamos detrás de cada puerta que abríamos.
Ashley Graham, la hija del presidente y la razón principal por la cual Leon fue enviado a Europa es lo mejor que Shinji Mikami nos pudo regalar en la cuarta entrega de Resident Evil. La Atractiva figura de esta hermosa norteamericana de rostro angelical y cautivante sonrisa es todo un deleite para los ojos. Ashley era la típica damisela en peligro a quien nosotros teníamos que proteger de los malos de la película. Sin embargo, cuando la situación lo requería, Ashley era capaz de superar sus miedos y ayudarnos a vencer algunos obstáculos que debíamos enfrentar en el juego.
Personalmente prefiero a Ashley cuando ella tiene puesto su traje blanco ceñido al cuerpo. Ese atuendo remarca perfectamente sus curvas y la hace mucho más deseable. Lamentablemente para la pobre Ashley, ni siquiera vistiendo de esa manera Leon acepto tener relaciones sexuales con ella. Y es que Leon sabía perfectamente que Ashley no era ninguna santa y que ese cuerpo ya había sido USADO por casi todos los secuaces de Saddler.
Imagine Thoroughbred GameOvers Biohazard CG Collections es un CD-ROM que contiene más de 70 ilustraciones hechas por el ilustrador y mangaka hentai japonés Eroquis. La protagonista de esta excelente colección es la apetecible Ashley Graham, aunque también aparecen Jill Valentine, Claire Redfield, Ada Wong, Rebeca Chambers e incluso Fong Ling de Resident Evil Dead Aim.
Como todos sabemos Ashley Graham estuvo varios días cautiva antes de que Leon viniera a rescatarla. ¿Qué sucedió durante esos días? es la pregunta que de seguro más de uno se hizo en algún momento, pues Eroquis nos da una respuesta a esa pregunta y además nos muestra lo que hubiera ocurrido si Leon no hubiera tenido éxito en su misión.
Eroquis es un artista hentai con una técnica increíble. Es un verdadero dibujante profesional y por tal razón este CD de ilustraciones dedicado a Ashley Graham es lo mejor que se ha hecho sobre la voluptuosa rubia hasta la fecha. Este trabajo es un tributo que el artista nipón quiso darle a una de las mejores hembras de Resident Evil solo superada por la diosa de Jill Valentine. Esta sensacional colección está disponible en el internet y hallarla no es difícil.
Ashley Graham es una beldad que aunque duela reconocerlo es difícil que los fans de la saga la volvamos a ver en alguna nueva entrega de la franquicia. Es por eso que un trabajo como el que Eroquis ha hecho es bien recibido por los fans incondicionales de la bella norteamericana. Espero que les haya gustado la información que les he brindado. ¡ASHLEY GRAHAM FOREVER!

Análisis de La lotería del amor/It could happen to you

2009-07-19T12:34:00.000-07:00

Había una vez un honesto oficial de policía de Nueva York llamado Charlie Lang que vivía junto con su esposa Muriel en Queens. Mientras que Charlie amaba la vida que tenia, Muriel lo único que deseaba era irse de Queens y tener una vida llena de comodidades. Por otro lado también había una mesera de nombre Yvonne Biasi a quien todo le iba mal hasta el día que conoció a Charlie. Al no tener dinero para la propina, Charlie le ofrece a Yvonne compartir un billete de lotería. Al día siguiente Charlie va a la cafetería donde Yvonne trabaja y le comunica a ella que ambos ganaron cuatro millones de dólares y que la mitad de ese dinero le pertenece a ella. Lo que Charlie e Yvonne ignoran es que desde ese día no solo compartirán el dinero de la lotería sino que también darán inicio a una relación muy especial.
La lotería del amor (It could happen to you, 1994) es una película dirigida por Andrew Bergman (quien en 1996 dirigió el filme Striptease estelarizado por Demi Moore) y protagonizada por Nicolas Cage (Charlie Lang), la guapa Bridget Fona (Yvonne Biasi) y Rosie Perez (Muriel Lang).
Al inicio del filme uno de los personajes secundarios comenta que la historia está en parte basada en un hecho real. Lo que dicho personaje dice si es cierto y eso es algo que se puede corroborar tan solo viendo los créditos finales de la película. Los personajes de Charlie Lang e Yvonne Biasi están inspirados en un policía y una mesera que se enamoraron como en la película, pero que a diferencia del filme el policía y la mesera de la vida real nunca ganaron cuatro millones de dólares en la lotería.
Las películas románticas no son mi género favorito, pero tampoco las detesto. Prueba de ello es que algunas de mis películas favoritas pertenecen a ese género cinematográfico y entre ellas obviamente esta La lotería del amor.
La lotería del amor es una película romántica que además contiene drama y comedia. La historia del filme es como un cuento de hadas moderno. De eso uno mismo se puede dar cuenta en cuanto suena la melodía que da inicio a la película.
Las actuaciones en el filme son muy solidas. Cada actor y actriz consiguen transmitir al espectador los diferentes sentimientos que sus respectivos personajes expresan a lo largo de la película.
La lotería del amor es una película que se disfruta de principio a fin y que está llena de muy buenas escenas.
Aunque el mensaje principal del filme es que el amor es lo que realmente le brinda felicidad a las personas, La lotería del amor también aborda temas como lo mucho que el dinero puede cambiar la vida de una persona común y corriente y lo voraces que pueden ser los medios de comunicación cuando las personas públicas atraviesan problemas personales.
Si bien toda la música de la película es bastante buena, una mención muy especial se merece la canción “Young at heart” interpretada por el legendario Frank Sinatra. Esta canción es simplemente magnifica. Además se puede escuchar un cover de este tema interpretado por Tony Bennett y Shawn Colvin mientras pasan los créditos finales de la película.
La lotería del amor es un filme que encantara a los fans de las cintas románticas y que no decepcionara a los cinéfilos más exigentes. La historia está muy bien contada, las actuaciones son de primera y la música es inolvidable. ¿Qué más se puede pedir? Definitivamente este es un filme que merece ser visto por muchas personas y que tiene con justa razón el derecho de trascender en el tiempo como todo buen cuento de hadas.

Videoclip: Metal Gear Solid 4 - El futuro de la guerra

2009-06-16T10:34:00.000-07:00

Metal Gear Solid 4 Future Warfare es el titulo de mi nuevo videoclip el cual he subido a YouTube. La canción que he utilizado para este video, la cual es mi una de mis favoritas desde 1998, se titula “Mirai e no yakusoku” y es interpretada por la cantante japonesa Saeko Higuchi. La canción es el tema promocional de la película de anime Ghost in the Shell (1995) dirigida por Mamoru Oshii (Avalon, Patlabor 2) y basada en el manga de Masamune Shirow (Appleseed, New Dominion Tank Police).
Metal Gear Solid 4 (2008) es un juego de video para la consola PS3 producido y dirigido por el maestro Hideo Kojima. Es el año 2014 y en esta nueva aventura Solid Snake, quien ahora adoptara el nombre de Old Snake, deberá perseguir a su hermano Liquid Ocelot a través del mundo con el único objetivo de acabar con él de una vez por todas.
Desafortunadamente aun no he tenido la oportunidad de jugar esta joya de los videojuegos debido a que aun no cuento con un PS3. Obviamente este será uno de los primeros juegos que comprare en cuanto adquiera la consola de Sony.
MGS4 es un titulo que para poder entender su trama a plenitud es necesario conocer los eventos que se desarrollaron en los juegos anteriores de la saga. Afortunadamente en el internet se pueden encontrar páginas en donde se pueden leer las historias completas de cada uno de los juegos. Sin embargo, es mucho más recomendable jugar los juegos. Si bien los primeros títulos de la saga no son fáciles de adquirir hoy en día, al menos desde MGS3 hacia adelante sí son fáciles de encontrar. Además La edición MGS3 Subsistence contiene los dos primeros juegos de Metal Gear (1987, 1990) los cuales salieron para la consola MSX2.
Metal Gear Solid 4 Guns of the patriots es un juego que no solo cuenta con impresionantes gráficos, una soberbia banda sonora y acción a raudales, sino también con una trama tan bella y épica que quedara grabada en la mente de todo aquel gamer que juegue esta obra maestra de los videojuegos.

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Galería - Valkyries/Macross

2009-05-19T10:56:00.000-07:00

Videoclip: Resident Evil 5 - La nueva pesadilla

2009-04-30T09:58:00.000-07:00

Resident Evil 5 The New Nightmare es un tributo que le hecho a la nueva entrega de la popular franquicia de Capcom. Este es un proyecto que hace un buen tiempo quería realizar, pero que fui posponiendo para de ese modo tener a mi disposición todos los trailers que salieran del juego. La canción que utilice para editar este videoclip es Make Me Bad del grupo norteamericano Korn. Si has tenido la oportunidad de ver el videoclip de la canción, entonces coincidirás conmigo en que esta ha sido la más apropiada para rendirle tributo al nuevo capítulo de Resident Evil.
Resident Evil 5 es un juego que ya he tenido la oportunidad de probar por un par de horas con unos amigos. Jugar de forma cooperativa es muy divertido y te permite crear buenas estrategias para salir airoso en las misiones. Aun no he probado el juego en solitario, así que no puedo opinar sobre que tan bien esta la inteligencia artificial de Sheva Alomar.
Esta nueva entrega de la saga está llena de acción, buena música, excelentes gráficos y una trama bastante atractiva. El gameplay solo ha cambiado un poco y prácticamente se mantiene igual al de Resident Evil 4.
Resident Evil 5 es un juego que aunque se ha alejado bastante del concepto original de la saga no deja de ser atractivo y sobre todo entretenido.

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Videoclip: Resident Evil Survivors - Director's Cut

2009-03-31T10:40:00.000-07:00

Resident Evil Survivors es un videoclip que edite con el propósito de brindarle un merecido tributo a uno de mis videojuegos favoritos. Yo realice una primera versión de este video allá por el año 2007. El video original tenia la misma canción que he utilizado para esta nueva versión (Fairy Dreamin’ de Wiz Kiss). Para editar ambas versiones de este video, utilice el programa Windows Movie Maker el cual yo creo que es un programa de edición muy sencillo de usar y que permite realizar videos muy buenos si es que se sabe aprovechar bien sus herramientas.
Fairy Dreamin’ es una canción que escuche por primera en el año 1998. La canción venia incluida en un video que contenía videoclips de varios animes muy populares. Este tema le pertenece al anime Genocyber, el cual aun no he tenido la oportunidad de ver. Sin embargo, sé muy bien que Genocyber es un anime violento y con una trama bastante apocalíptica. Es por esa razón que elegí Fairy Dreamin’ para mi tributo a los sobrevivientes de Resident Evil.
La primera versión de Resident Evil Survivors no me que del todo mal, aunque obviamente la versión Director’s Cut está mejor trabajada. Además en la versión original, el video no estaba compuesta íntegramente por cinemas como si ocurre en la versión Director’s Cut.
Realizar la versión definitiva de mi tributo tardo algunos días. Y es que a mí me agrada que las cosas queden bien hechas. Toda la dedicación que le dedique a la edición de mi videoclip fue recompensada el mes de Marzo cuando este fue incluido en el DVD de la edición número 6 de la revista peruana de videojuegos Masgamers.

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Análisis de Rescatando al soldado Ryan/Saving private Ryan

2009-02-11T15:41:00.000-08:00

El 6 de junio de 1944 el capitán Miller junto a sus hombres desembarca en Normandía al igual que miles de aliados para ser parte de una de las invasiones más grandes de la historia. Tras vivir los horrores de la guerra en la playa Omaha, el capitán Miller recibirá una misión directamente del alto mando norteamericano. Él y sus hombres deberán de cruzar la líneas enemigas para encontrar al soldado James Francis Ryan, un miembro de la división 101 aerotransportada, para que este pueda volver a casa. El soldado Ryan ignora que sus tres hermanos murieron en combate y que él es el único hijo con vida que le queda a su madre.
Rescatando al soldado Ryan (Saving Private Ryan, 1998) es una película bélica escrita por Robert Rodat y dirigida por el rey midas de Hollywood Steven Spielberg (quien gano su segundo Oscar como director por este filme). El reparto de esta cinta esta lleno de grandes actores tales como Tom Hanks (Forrest Gump, 1994), Tom Sizemore (Enemigo publico, 1998), Vin Diesel (Rapidos y Furiosos, 2001) y Matt Damon (The Bourne Identity, 2002) solo por citar algunos nombres.
Rescatando al soldado Ryan es una película realmente intensa no solo por sus extraordinarias escenas de combate sino también por su sensacional argumento. Es verdad que su premisa básica es innegablemente patriotera, pero Spielberg solo la usa para desarrollar una trama mucho más compleja. En realidad lo que nosotros vemos a lo largo del filme es una clara crítica hacia la guerra. En esta cinta los roles de buenos y malos no existen y lo que mas bien contemplamos a una gran cantidad de seres humanos que luchan y sacan lo peor de si mismos por su supervivencia. Steven Spielberg respeta al bando enemigo y afortunadamente no los retrata como monstruos sin sentimientos.
El aspecto visual de esta película es verdaderamente exquisito. La película esta filmada a modo de documental lo que cual se percibe aun mas en las escenas de combate. El desembarco de Normandía es un espectáculo lleno de crudeza. En esta secuencia Spielberg se encarga de transmitirnos el miedo de los soldados y sumergirnos en esos espantosos momentos de caos y destrucción. La batalla final que el capitán Miller (Tom Hanks) y sus hombres libran también es una secuencia muy bien trabajada y que transmite los mismos sentimientos que la secuencia del desembarco.
La música de Saving Private Ryan esta a cargo del compositor John Williams quien hace gala de todo su talento para regalarnos una banda sonora inolvidable. El tema principal de la película es el mejor de todos y transmite la épica y el drama de ese periodo de la historia.
Rescatando al soldado Ryan fue todo un éxito de taquilla en 1998, año en el cual también se estreno La delgada línea roja (The thin red line), una película dirigida por el maestro Terrence Malick y que haciendo honor a la verdad es argumentalmente muy superior a la cinta de Spielberg.
Aunque no es un videojuego basado en la película, en Medal of honor Frontline (lanzado en el año 2002 y disponible para PS2, Game Cube y Xbox), uno puede vivir las secuencias del día D y la batalla final de Saving Private Ryan. Si te gusto la película no puedes perderte este juego que además es un gran First Person Shooter basado en la segunda guerra mundial.
Aun después de haber pasado una década desde su estreno, ninguna otra cinta bélica ha logrado compararse visualmente a Rescatando al soldado Ryan. Es por esa razón que muchos consideran a este filme como el que tiene las mejores escenas de combate de la historia del cine.
Saving Private Ryan es una historia llena de drama y mucha acción que no solo entretiene de principio a fin sino que también nos muestra de forma violenta y visceral como la guerra transforma para siempre a los seres humanos.

Análisis de El juego del miedo 5/Saw 5

2009-02-11T15:39:00.000-08:00

Continuando con los eventos que ocurrieron en Saw 4 (2007), el agente Mark Hoffman captura al agente Strahm para acabar con él de una buena vez. Sin embargo, el agente Strahm sobrevive poniendo en graves aprietos a Hoffman. El agente Strahm esta seguro que Hoffman es cómplice de Jigsaw y esta dispuesto a que esa verdad se sepa. Lo que Strahm ignora es que Hoffman pretende dar inicio una vez mas al juego del miedo involucrando a cinco nuevas victimas quienes deberán derramar mucha sangre si es que pretenden salir con vida.
El juego del miedo 5 (Saw 5, 2008) es dirigida por David Hackl y escrita por Patrick Melton y Marcus Dunstan. En esta nueva entrega de la popular saga de terror los roles protagónicos recaen en Costas Mandylor (Hoffman) y Scott Patterson (agente Strahm). Además también destaca la participación de Tobin Bell quien una vez más interpreta a Jigsaw.
Saw 5 llega a la cartelera peruana con unos meses de retraso (se estreno en los estados unidos en octubre del año pasado). La película comienza justo donde se quedo la anterior entrega la cual había atado todos los cabos sueltos de las anteriores películas, pero que a su vez nos dejo con la pregunta de cómo Hoffman había se había involucrado con Jigsaw. En Saw 5 nosotros conoceremos la respuesta a esa pregunta y nuevamente veremos terribles juegos de supervivencia.
La forma como Hoffman y Jigsaw crean su sociedad es de lejos lo mas valioso de este filme. Los juegos que vemos en la película continúan siendo aterradoramente entretenidos aunque obviamente algunos serán más originales que otros (como sucede en todas las entregas). La investigación que el agente Strahm hace para atrapar a Hoffman también es interesante ya que nos hace recorrer los eventos mas importantes que ocurrieron en las películas anteriores. Saw 5 se acopla muy bien a los filmes anteriores haciéndola mas interesante y dándonos una nueva perspectiva de todo lo que ocurrió desde Saw 1 hasta Saw 4.
Las actuaciones en Saw 5 son buenas. Cada personaje (en especial los que están involucrados en los juegos) nos transmite las emociones que viven a lo largo de la película en especial sus miedos ante una espantosa muerte.
Antes de ir a ver esta película al cine, vi un afiche de Saw 5 en la calle el cual aseguraba que la cinta tenia un final que nadie podría imaginarse. La verdad es que el final de Saw 5 no es tan inesperado como si lo fue el de la primera película. Pero aun así es un final muy bueno y no decepciona. Lo que si decepciona un poco es la falta de más violencia extrema a lo largo del filme. No es que me considere un sanguinario, pero creo que en una película como esta la falta de más crudeza no juega muy bien a su favor. De todos modos debo reconocer que Saw 5 no te despega de tu butaca y te mantiene atento en todo momento gracias a su argumento muy bien escrito.
Saw 5 es una película que entretiene de principio a fin y que además nos deja una gran pregunta sin contestar que de seguro sabremos en la inminente Saw 6. Si te gusta el genero de terror, Saw 5 es una película que debes ver de todas maneras o de lo contrario uno de estos días despertaras en una sucia habitación y veras en un televisor usado la figura de una macabra marioneta que te invitara a jugar sus sádicos juegos.

Análisis de Revolutionary Road/Sólo Un Sueño

2009-02-11T15:38:00.000-08:00

Cuando Frank y April se conocieron, ambos tenían toda la intención de perseguir juntos sus sueños y tener una vida especial. Sin embargo, tras su matrimonio y posteriormente su conversión en padres de familia poco a poco los dos cayeron en la monotonía que querían evitar. Sin embargo, April no quiere resignarse a vivir de esa manera y es por esa razón que luchara para que Frank y ella vuelvan a retomar sus sueños de juventud y no acabar sus días como una típica familia norteamericana de los suburbios.
Revolutionary Road (2008) es la nueva película de Sam Mendes, director británico que se hizo conocido a nivel mundial gracias a su filme Belleza americana (American Beauty, 1999). Solo un sueño (nombre con el cual esta película llego a Latinoamérica) esta basada en la novela de Richard Yates y tiene en sus roles principales a Leonardo DiCaprio como Frank y a Kate Winslet (esposa del director) como April. Como todo el mundo ya sabe ambos actores consiguieron una gran popularidad luego de haber trabajado juntos en la película Titanic (1997) el mega éxito de taquilla del director James Cameron (Aliens, El secreto del abismo, Terminator 2). En Revolutionary Road los dos jóvenes actores vuelven a hacer muy buena química y nos regalan actuaciones realmente sorprendentes.
Revolutionay Road no es una cinta tan romántica como Titanic y tampoco esta hecha como un producto que esta destinado a romper las taquillas mundiales. Este filme es un drama mucho más elaborado que Titanic en donde el amor y la pasión van perdiendo intensidad con el correr de los años. Desde el inicio del filme el espectador es testigo absoluto de lo común y corriente que son las vidas no solo de los personajes principales sino también de las personas que los rodean. En los rostros de Frank y April se ven reflejadas la desazón que les causa vivir de esa manera y tener que resignarse a ello.
Leonardo DiCaprio y Kate Winslet se lucen en este filme mostrándonos interpretaciones intensas y muy logradas. Pero quien también ofrece una gran actuación es Michael Shannon quien en la película le da vida a John Givings, un matemático e hijo de una vecina de Frank y April, que fue encerrado en un manicomio. Este personaje, al que todos consideran un demente, es quizás el más cuerdo en una sociedad que se niega a correr riesgos y se conforman con las vidas que tienen. Michael Shannon esta nominado al Oscar como mejor actor de reparto por este papel y creo que es una nominación que se la tiene muy bien merecida.
Revolutionary Road (que es el nombre de la calle donde esta la casa de Frank y April) es una película que nos hace pensar en si estamos conformes con la vida que llevamos y si seriamos capaces de arriesgarnos por perseguir nuestros sueños.
Revolutionay Road es una buena película cargada de muy buenas escenas, una trama interesante y actuaciones dignas de aplaudir. Un drama que definitivamente nadie puede dejar de ver.

Análisis de Resident Evil 3 - Nemesis/Biohazard - Last Escape

2009-01-28T09:17:00.002-08:00

Residente Evil 3 Nemesis es la tercera entrega de la popular franquicia de la compañía nipona Capcom la cual salió al mercado para el PS1en el año 1999. El juego también salió en el año 2000 para el Sega Dreamcast y para el Nintendo Game Cube en el año 2003. La versión para el cubo solo nos ofreció gráficos pulidos, lo cual fue una verdadera lastima ya que lo que todos esperaban era que Capcom hiciera un remake del juego como lo había hecho con el primer juego de la serie (juego exclusivo para el Game Cube).
RE3 fue el ultimo juego de la saga que salió para el PS1 y por ende el que llego a explotar todas las capacidades graficas de la consola, algo que se nota de inmediato al ver su impresionante secuencia de apertura.
La historia del juego nos sitúa en el terrible día en que los habitantes de Raccoon City se convierten en zombis caníbales luego de haber sido infectados por el virus T. Para controlar ese grave incidente, la compañía Umbrella envía a decenas de mercenarios que forman parte de la U.B.C.S. (Umbrella Biohazard Countermeasure Service). Sin embargo, al igual que la policía de Raccoon City, los mercenarios no pueden detener a los miles de zombis que se han apoderado de la ciudad. En medio de ese caos se encuentra Jill Valentine (Resident Evil 1) quien completamente sola deberá de hacerse paso a través de una ciudad en donde la muerte esta esperándola a la vuelta de cada esquina con el único propósito de sobrevivir.
RE3 es un juego en donde una vez mas tomaremos el rol de Jill Valentine, la hermosa miembro del equipo S.T.A.R.S. En este juego Jill luce preciosa y además mucho más curvilínea y voluptuosa que en RE 1. Es de lejos la versión de Jill que a los fans de la saga nos gusta más por obvias razones.
Luego de sacarle el jugo a Resident Evil 2, yo no creí que vería tan pronto una nueva entrega de esta saga del survival horror. Fue por esa razón que me sorprendió mucho ver a alguien jugando RE3 en el local donde yo acostumbraba jugar PS1. El RE3 con el cual me tope era la versión japonesa. Por si alguien aun lo desconoce, Resident Evil se llama Biohazard en la tierra del sol naciente. Biohazard 3 Last escape es como se llamo el juego en Japón mientras que el resto del mundo lo conoció como Resident Evil Nemesis. Ambos títulos hacen referencia al argumento del juego. Por ejemplo Last escape (el último escape) hace alusión a la última oportunidad de Jill de salir de Racoon City. Por otro lado Nemesis es el nombre del horrible monstruo que nos perseguirá durante todo el juego y que tendrá como única misión hacernos pedazos.
Al estar en japonés el primer juego de RE3 con el que me cruce, me abstuve de jugarlo porque sabía que no entendería nada de la historia y de lo que debía hacer en el juego. Sin embargo, cuando al fin llego la versión americana al Perú, tampoco lo jugué porque en ese entonces jugar PS1 en un local te obligaba a compartir una tarjeta de memoria con decenas de otros gamers y correr el riesgo de que algún energúmeno jugara tu archivo y lo malograra. Fue recién después de haber terminado la secundaria que al fin jugué RE3 con el firme propósito de terminarlo. En ese entonces yo ya tenía mi propia tarjeta de memoria y no había riesgo de que alguien fastidiara mis avances en el juego.
RE3 Nemesis es un titulo que conserva todo lo bueno de RE2 y ofrece algunas cosas que lo hacen mas atractivo. Por ejemplo en este juego existe la posibilidad de esquivar a los enemigos (un movimiento que no siempre resulta fácil de hacer, pero que es muy útil en los momentos mas difíciles). Además, en RE3 se puede mezclar envases con pólvora para crear distintos tipos de municiones, algo que sin lugar a dudas le permite al gamer dotar de más municiones al arma que sea más de su agrado.
En RE3 al igual que en RE1, el gamer podrá tomar decisiones en ciertas partes del juego lo cual afectara el desarrollo de la trama. Sin embargo, sin importar cuales sean las decisiones que tomes a lo largo del juego, el final no cambiara mucho, así que no te rompas la cabeza intentando sacar un final mas espectacular. Con respecto al desenlace del juego, recuerdo que cuando el juego recién llego al local donde yo iba a jugar PS1, escuche la descabellada historia de que había un final de RE3 en el cual Chris Redfield aparecía montado a caballo y siguiendo un tren en movimiento. Desde un principio yo no creí nunca en ese final aunque creo que de haber estado en el juego hubiera sido interesante.
RE 3 es un juego que nos hace vivir los acontecimientos que solo eran mencionados en RE 2. En RE3 estamos en pleno inicio del infierno que luego vivirían Leon y Claire (la trama de RE3 comienza un día antes de que ambos personajes llegan a Racoon City). Pero en esta aventura Jill no estará sola. Carlos Oliveira, un integrante de la U.B.C.S., será quien ayudara a la bella Jill a escapar de la ciudad infectada. Carlos es además un personaje con el cual jugaremos en una parte clave del juego.
Una vez que termines RE3 podrás acceder a un mini juego llamado The Mercenaries y en el cual tendrás la opción de elegir a tres de los mercernarios de Umbrella que tuvieron mas protagonismo en el juego (Carlos es uno de ellos). El objetivo en dicho juego será llegar al punto que se te señala en el mapa de la ciudad en el menor tiempo posible y luchando con toda clase de enemigos a través de las calles. Si logras ese objetivo ganaras dinero para comprar armas que usaras en el juego principal.
Y como en todo juego de Residente Evil, aquí también obtendrás distintos trajes para vestir a Jill (uno de los más curiosos es el del personaje Regina del juego Dino Crisis).
El argumento de RE3 es muy bueno y como en sus dos entregas anteriores esta lleno de grandes momentos de drama, suspenso, acción y por supuesto terror. Es un verdadera lastima que dicha historia fuera groseramente maltratada en la película Resident Evil Apocalypse (2004). Este filme es escrito por el cineasta Paul W.S. Anderson quien dirigió la primera película basada en Resident Evil y que también estuvo a cargo de la pésima adaptación de Mortal Kombat al cine. RE Apocalypse es una película bastante inferior al videojuego en el que esta basado. Quizás lo único rescatable de ese film sea la participación de la hermosa actriz inglesa Siennna Guillory quien en la cinta le da vida a la muñeca de Jill Valentine. El parecido de Sienna con Jill es sorprendente y deja satisfechos a los fans del juego.
La música en RE3 sigue siendo igual de buena y te adentra por completo en la pesadilla que Jill debe vivir para salir de Racoon City. La dificultad en este juego continua siendo solo apta para jugadores expertos lo cual es algo que los fans de Resident Evil siempre esperamos en cada entrega de la saga. En pocas palabras RE3 es una secuela que aunque no se siente tan especial como RE2 consigue ofrecernos grandes dosis de diversión y que puede aun ser jugado en la actualidad y seguir divirtiéndonos. Un juego que definitivamente no puede faltar en la colección de ningún gamer amante de los buenos juegos.

Análisis de Twilight/Crepúsculo

2009-01-28T09:17:00.001-08:00

Bella (su nombre es Isabella, pero ella prefiere que la llamen así) es una linda jovencita que debe de mudarse a la casa de su padre debido a que su madre saldrá de viaje con su nuevo esposo. El padre de Bella es el jefe de policía de Forks, un típico pueblo norteamericano en el estado de Washington. Bella asistirá a la preparatoria local y allí conocerá Edward Cullen, un joven que al igual que el resto de su familia ocultan un gran secreto. Un día Edward salva a Bella de ser golpeada por un auto utilizando solamente una mano. Este suceso hará que Bella investigue la razón por la cual Edward pudo hacer algo como eso. Finalmente ella descubre que Edward es un vampiro. Sin embargo, eso no mellara en nada el afecto que Bella había estado sintiendo por Edward desde hacia varios días. Edward también le confiesa su amor a Bella y es de ese modo como ambos inician una relación poco convencional, pero que ellos están dispuestos a que nadie destruya.
Twilight (Crepúsculo, 2008) es una película dirigida por Catherine Hardwicke y basada en el Best seller escrito por la autora norteamericana Stephenie Meyer, quien de ser una sencilla profesora de ingles y ama de casa se ha transformado en una adinerada escritora y a ser también considerada como la nueva J. K. Rowling. Twilight es solo el primero de cuatro libros que abordan la relación amorosa de la humana Bella y el vampiro Edward. Los roles protagónicos recaen en la actriz Kristen Stewart como Bella y en Robert Pattinson como Edward quien ya se había hecho conocido mundialmente por su papel de Cedric Diggory en la película Harry Potter y la orden del Fénix (2007).
A pesar de ser una cinta de vampiros, Crepúsculo no es un filme donde veras litros de sangre o escenas de desmembramientos como en otras cintas del genero. La verdad es que a lo largo de toda esta película no veremos ni siquiera medio litro de sangre derramada. La película en realidad podría considerarse como una historia de vampiros light en donde lo más importante es la relación entre Bella y Edward y a la vez mostrar una visión diferente de los populares chupasangre. En Crepúsculo todos los vampiros son guapos y visten muy bien (incluso los malos de la película). Crepúsculo no asusta en ningún momento, pero no por esa razón la cinta es aburrida. Entretiene y eso es lo que cuenta. Los protagonistas hacen muy bien su trabajo aunque creo que pudieron hacerlo un poco mejor. Personalmente creo que Robert Pattinson tuvo una mejor caracterización de su personaje de Cedric en la película de Harry Potter.
Una mención aparte merece el personaje de Alice interpretado por la hermosa Ashley Greene. Haber descubierto a esta actriz ha sido de lejos lo más gratificante de haber ido a ver Crepúsculo. En la primera aparición que Alice hace en pantalla, ella viste un traje claramente inspirado en el anime y su peinado la hace lucir como la no menos bella Lady de la saga Devil May Cry. Si algún día hacen una cinta sobre este popular videojuego, Ashley encajaría perfectamente en el papel de la hermosa cazadora de demonios.
Twilight tiene un buen puñado de buenas escenas y un excepcional combate final. Esta claro que al saber de la existencia de los tres libros que le siguen a Crepúsculo, el final de la película es un tanto previsible. Sin embargo, en líneas generales el final de la cinta es aceptable y deja la puerta abierta para su inminente secuela. Crepúsculo es en resumen una película que no puedes dejar de ver si eres fan de la saga literaria y tampoco si deseas conocer el inicio del romance entre la humana Bella y el vampiro Edward.

Análisis de Scarface/Caracortada

2009-01-28T09:15:00.000-08:00

En el año 1980 un criminal cubano de nombre Tony Montana pone sus pies en la soleada ciudad de Miami. Tras fallar en su intento de convencer a los empleados de migración de que él es un hombre de bien, Tony es recluido en un centro de detención junto con su mejor amigo Manny Ribera. Sin embargo, luego de cometer un asesinato por encargo, Tony consigue salir del centro de detención y además obtiene la tarjeta verde de ciudadanía. Una vez en las calles, Tony inicia su difícil y peligroso asenso en el mundo del narcotráfico. Tony simplemente quiere poseer todo lo que hay en el mundo y para conseguirlo no le importara sacar del camino a quien sea con tal de que su imperio de la droga se expanda por todo el país.
Caracortada (Scarface, 1983) es una película escrita por Oliver Stone (Pelotón, Nacido el 4 de julio), dirigida por el gran cineasta norteamericano Brian De Palma (Casualties of war, Los intocables) y protagonizada por el popular y talentoso Al Pacino (Michael Corleone en la trilogía de El padrino). Steven Bauer (Manny Ribera), la bella Michelle Pfieffer (Elvira Hancock, la mujer de quien Tony se enamora) y Mary Elizabeth Mastrantonio (Gina Montana, la hermana menor de Tony) también forman parte del elenco de esta excelente película.
La premisa básica del filme de Brian de Palma esta basada en la película Scarface del año 1932, dirigida por Howard Hawks, escrita por Ben Hecht y basada en la novela de Armitage Trail. En esta película el personaje principal es Antonio “Tony” Camonte (interpretado por el actor Paul Muni), un mafioso que desea convertirse en el criminal mas poderoso y temido de la ciudad. Si bien la fuente de inspiración de Scarface de Brian de Palma no fue incluida en los créditos de la cinta, uno puede ver al final de la película una dedicatoria a Howard Hawks y a Ben Hecht.
Caracortada es una película impecable que no solo cuenta con un gran argumento sino también con un aspecto visual maravilloso. La apariencia de la ciudad de Miami así como la ropa que viste cada personaje se ajusta perfectamente al año en que se desarrolla la trama. Toda la esencia de esa época se ve reflejada en cada toma del filme. La música de la película también es de primera. Todas las canciones que se oyen a lo largo del filme son muy buenas y el tema de Tony es sencillamente perfecto e inolvidable.
Al Pacino se luce en esta película y nos regala una actuación de antología. En la película Al Pacino habla algunas palabras en español las cuales mezcla con el idioma ingles. En la versión doblada al español (latino) de la película, Tony tiene un marcado acento cubano, el cual puede causarle un poco de gracia a quien vea por primera vez la versión doblada del filme. Pero haciendo honor a la verdad, el trabajo de doblaje hecho para Caracortada es muy bueno. Las voces que oímos son tan buenas como en la versión en ingles. Yo hasta el día de hoy veo esta película doblada al español sencillamente porque las voces de los personajes ya se han quedado en mi cabeza desde que vi el filme por primera vez en la televisión.
Caracortada es una película con un alto grado de violencia lo cual hace que sus escenas de acción sean asombrosas. El drama esta muy bien trabajado en la película y la música como ya escribí líneas arriba es inolvidable y maravillosa. Por ultimo, el desenlace de Caracortada es uno de los más espectaculares de la historia del cine y no se borrara jamás de tu cabeza en cuanto lo veas.
En pocas palabras, Caracortada es un filme que nadie puede dejar de ver. Una película que con todo derecho esta dentro de la lista de los mejores filmes de la historia del cine.

Análisis de Changeling/El Sustituto

2009-01-28T09:14:00.001-08:00

Los Angeles, 1928. Christine Collins es una madre soltera que trabaja y vive con su hijo Walter en una casa en los suburbios de la ciudad. Ella lo lleva y lo recoge de la escuela todos los días siguiendo una rutina que a ella no le incomoda. Walter es todo para Christine y ella lo ama con toda su alma. Un día sábado Christine debe de ir a trabajar lo que la obliga a romper los planes que tenia para ese día con Walter. Al regresar a casa Christine no encuentra a su hijo e inmediatamente comienza a buscarlo por todo el vecindario. La policía solo va en su ayuda un día después que su hijo desapareció. Tras varios días de angustia la policía de Los Angeles le informa a Christine que han hallado a su hijo. Sin embargo, al ir a la estación del tren, Christine se da con la amarga sorpresa de que el niño que la policía encontró no es su hijo. La policía insiste en que el niño es su hijo y convencen a Christine de que el infante si es su hijo. Sin embargo, una vez a solas con el niño Christine se da cuenta rápidamente que como ella lo supo desde un comienzo el niño que tenia frente a ella no era Walter. Es así como Christine le insiste a la policía que reinicien la búsqueda de su hijo algo que el departamento se niega a hacer. Christine no se da por vencida y decide enfrentarse a los policías corruptos que trabajan en el departamento de policía de Los Angeles con el único propósito de que ellos hallen a su verdadero hijo.
Changeling (2008) o conocida en Latinoamérica con el titulo de El sustituto es una de las ultimas películas (la otra es Gran Torino, filme en donde Clint Eastwood actúa por ultima vez) dirigidas por el maestro Clint Eastwood la cual esta basada en un hecho real que ocurrió en los estados unidos. El rol protagónico recae en Angelina Jolie quien interpreta a Christine Collins. John Malkovich también actúa en este filme interpretando al reverendo Gustav Briegleb, un hombre que acompañara a Christine en su lucha contra en corrupto departamento de policía de Los Angeles.
Debo confesar que tenia mis dudas sobre si ir o no a ver esta película. La razón principal para que no estuviera convencido de ir a verla era la presencia de Angelina Jolie. Creía que ella no era la más adecuada para hacer convincente el personaje de una madre común y corriente de los suburbios. Sin embargo, apenas vi los primeros minutos de Angelina en pantalla, me di cuenta que Clint Eastwood no se había equivocado en elegirla a ella para el rol protagónico. Angelina Jolie no transmite en ningún momento la sensualidad que todos están acostumbrados a ver. Ella luce más delgada en este filme y su rostro luce como el de una autentica madre soltera que debe sacrificarse día a día por su hijo. Su actuación es realmente muy buena y nos hace olvidarnos por completo de que ella es una actriz que ha participado en cintas de acción y explotado su sensualidad y belleza para llenar las salas de cine.
Changeling es una película visualmente muy hermosa y que recrea con milimétrica exactitud como se veía los estados unidos en esos años. Ver los vestuarios, las casas o las calles de la ciudad es todo un deleite para la vista. La música tampoco se queda atrás la cual dicho sea de paso fue compuesta por el mismo Clint Eastwood (como ya lo ha hecho para otros de sus filmes). El tema principal de la cinta es tan melancólico y hermoso como el que se escucho en la película Flags of our fathers (2006).
Changeling tiene una trama que se va haciendo más compleja conforme avanzan los minutos. Lo que comienza con la desaparición de un niño se transforma en el descubrimiento de un crimen mucho mas horrible y en donde el hijo de Christine también esta involucrado. Si bien hay varias buenas escenas en la película, para mi hay una en especial que se lleva las palmas por su crudeza y realismo. La escena en cuestión muestra el fúnebre recorrido que un criminal debe de hacer con dirección a la horca. La escena no nos hace ser los testigos del ahorcamiento sino ser quien esta a punto de ser ahorcado. Aunque sabemos que ese asesino se merece ese castigo, Clint Eastwood no lo pinta como un monstruo sino más bien como un ser humano que busca el perdón de dios para no quemarse en el infierno.
Changeling es en definitiva una nueva obra maestra del siempre genial Clint Eastwood quien es uno de esos pocos directores que nunca nos decepcionan con cada nueva película. La cinta además esta nominada a tres premios Oscar (mejor fotografía, mejor dirección artística y mejor actriz). Si bien Angelina se tiene bien merecida su nominación al Oscar, en general todos los actores y actrices que trabajan en la película nos ofrecen notables interpretaciones. En definitiva esta es una cinta que no puedes dejar de ver por nada de este mundo. Un relato cargado de emociones como solo Clint Eastwood nos sabe ofrecer.

Análisis de Call of Duty 3

2009-01-28T09:13:00.001-08:00

Call of duty 3 es un First Person Shooter que apareció en el año 2006 y estuvo disponible para las consolas PS2, PS3, Xbox, Xbox 360 y Nintendo Wii. A diferencia de su entrega anterior, esta nueva secuela de la franquicia no tuvo dos versiones. La gente de Treyarch fue la que encargo de desarrollar esta entrega logrando resultados verdaderamente satisfactorios. Sin embargo, COD 3 no consiguió crear una gran expectativa por su salida al mercado como si lo hizo su precuela para Xbox 360 y PC.
COD 3 se desarrolla nuevamente durante la segunda guerra mundial. En esta oportunidad nuestra misión será liberar Francia del dominio alemán. La historia no comienza en el día D como muchos podrían imaginar. La primera misión del juego se lleva a cabo en un pueblo Francés controlado por el ejército alemán. Si bien en esa primera misión el gamer asumirá el papel de un soldado norteamericano, el juego nos pondrá en la piel de soldados ingleses, canadienses e incluso tanquistas polacos. De esa manera viviremos los distintos frentes de batalla en donde los aliados lucharon para liberar Paris.
Los gráficos del juego son muy buenos, pero esta claro que la mejor calidad visual esta en las consolas de nueva generación. La jugabilidad continúa igual de buena y sin ningún tipo de cambio. En COD 3 Treyarch borro por completo la barra de energía y utilizo la misma forma de sobrevivir que Infinity Ward uso en COD 2 para Xbox 360 y PC. Es así que cada vez que recibas daños considerables, tú deberás de cubrirte y aguardar a que el círculo rojo que aparece alrededor de tu pantalla desaparezca. Sin embargo, si una granada explota en tu mano eso equivale a una muerte segura. Un detalle curioso es que cada vez que mueres aparecerá en pantalla una frase anti bélica diferente y que les pertenecen a personajes celebres de la historia mundial (por ejemplo Winston Churchill).
Para hacer las misiones mas divertidas y sobre todo confundir a tus enemigos, tú podrás usar bombas de humo las cuales te serán de mucha ayuda sobre todo cuando estés delante de nidos de ametralladoras.
El apartado sonoro sigue manteniendo un gran nivel. El ruido de las armas y explosiones así como los gritos de las tropas alemanas durante las batallas te harán sentir como si realmente estuvieras en la Francia ocupada. Por otro lado el soundtrack se acopla de forma impecable a cada momento importante del juego como en sus dos entregas anteriores.
COD 3 es un juego que tiene un total de 14 misiones cargadas de intensidad y acción pura. El modo de juego online sigue presente en esta entrega de la franquicia así como las misiones a bordo de tanques y vehículos usados en la segunda guerra mundial. Definitivamente este es un titulo que nadie puede dejar pasar.

Análisis de The Host

2009-01-28T09:11:00.000-08:00

Un día como cualquier otro a orillas del rio Han en Corea del sur, las personas son testigos de cómo una horrible criatura emerge del rio con el único propósito de sembrar el caos y la histeria colectiva. Park Gang-Du (interpretado por Kang-ho Song) es un hombre que intenta huir del peligro llevando de la mano a su hija. Sin embargo, desgraciadamente su hija será atrapada por el monstruo quien la llevara al lugar donde este se esconde. Convencido de que su hija no ha muerto, Park Gang-Du junto con su padre, su hermana y su hermano se embarcaran en la misión de rescatar a la niña de las garras de la criatura. Una misión que no será nada fácil porque ellos no solo deberán de enfrentarse al monstruo sino también al gobierno de su país que intenta encubrir lo que realmente esta ocurriendo.
The Host (Gwoemul, 2006) es una película escrita y dirigida por el cineasta coreano Joon-ho Bong y que ha cosechado muy buenas criticas desde el día de su estreno. Por otro lado la cinta se ha convertido en la mas vista en la historia de Corea del sur congregando en las salas de cine al veinte por ciento de la población total (trece millones de habitantes).
The Host es una de las películas que se anunciaron a principios del año 2008 para estrenarse en le Perú. Yo tenía confianza en que algún día algún cine la programaría. Sin embargo, mi hermano no pensaba de la misma forma y a mitad a de año él la consiguió en DVD. Al comienzo me rehusé a verla en ese formato, pero finalmente mis ganas por ver The Host fueron más fuertes. La película recién se estreno en el cine el 25 de diciembre. Aunque se habían demorado bastante en traerla era todo un gusto de que al fin The Host había llegado a las salas del Perú. Además como dice el dicho “mas vale tarde que nunca”.
Ver The Host en el cine es una experiencia totalmente diferente a verla en el televisor. Yo fui a verla el mismo día de su estreno y en la sala donde estuve hubo muchas personas de las cuales quizás yo era de los pocos o él único que ya había visto la película.
The Host es una cinta con una extraordinaria historia y unos excelentes efectos especiales. No tiene ninguna comparación con algún filme de monstruos MADE IN USA. En The Host el espectador encuentra drama, comedia (que en algunos momentos es algo absurda), suspenso y por supuesto terror, pero mostrados de una manera abismalmente diferente a como se muestran en los blockbusters yanquis. El soundtrack del filme es también muy bueno, pero en especial el tema que acompaña la primera aparición del monstruo (indiscutiblemente mi escena favorita). Dicho tema no podría ser mejor y es uno de los motivos por los cuales el soundtrack de The Host no puede faltar en tu colección.
Cloverfield (2008) es una película que le debe mucho a The Host puesto que la cinta coreana fue la que trajo de vuelta a la vida el género de los monstruos al cine. Además la criatura que aparece en Cloverfield tiene un leve parecido con el monstruo de The Host.
The Host es una película súper entretenida y es además una muestra más de por que el cine coreano es tan popular en la actualidad. Buenas actuaciones, una gran historia y excelentes efectos especiales es lo que encontraras en The Host, una cinta de visión obligatoria para quienes amamos el cine de verdad.

Análisis de Ghost in the shell

2008-12-11T12:44:00.000-08:00

En un futuro no muy lejano, los seres humanos están conectados a la red de información de tal manera que sus cerebros pueden ser hackeados como si fueran computadoras. La mayor Motoko Kusanagi es una hermosa cyborg que trabaja en la sección 9 y que estará a cargo de capturar al Puppet Master (el titiritero), un criminal que puede robar la información que esta almacenada en la mente de cualquier individuo. Para esta misión la mayor Kusanagi tendrá la ayuda de su compañero Batou, un cyborg de grandes proporciones y que siente algo por su bella compañera.
Ghost in the Shell (1995) es una película de anime basada en el manga de Masamune Shirow (Orion, Appleseed) y dirigida por el reconocido director japonés Mamoru Oshii (Avalon, Innocence). Por otro lado, el diseño mecánico de esta producción de ciencia ficción recayó en las manos del experimentado Shoji Kawamori (Macross) y también en las de Atsushi Takeuchi.
Ghost in the Shell es una película brillante y que deslumbro a todos desde el día de su estreno. La película mezcla magistralmente la animación tradicional con animación hecha por computadora. Los diseños de personajes son estupendos y la música a cargo del compositor Kenji Kawai es fabulosa. El tema “Reincarnation” es hermoso y es de lejos el mejor del filme. Por otro lado, Ghost in the Shell también cuenta con un excelente tema promocional. La canción se titula “Miraie no yakusoku” y es interpretada por la cantante japonesa Saeko Higuchi. Yo escuche esta canción por primera vez en un programa de anime y desde ese día es uno de mis favoritos. El tema es realmente bueno y no te cansas de oírlo una y otra vez.
Ghost in the Shell no solo tiene excelentes escenas de acción sino también una trama compleja y que te mantiene atento en todo momento. Cabe mencionar que aunque la película esta basada en el manga de Masamune Shirow, la historia del filme se aleja bastante de la que se narra en el manga. Mamoru Oshii solo usa las premisas del manga de Shirow para crear su propia versión de la historia y así ofrecernos un producto totalmente diferente. Afortunadamente Mamoru Oshii logro llevar por buen camino su propuesta y al final consiguió realizar todo un clásico del anime.
Es importante mencionar, por si alguien aun no los sepa, que este filme fue la fuente de inspiración de los hermanos Wachowski para crear The Matrix (1999). Ellos mismos lo han declarado públicamente y solo basta ver unas escenas del anime para que uno lo compruebe.
Ghost in the Shell es un filme increíble y que a pesar de los años sigue sorprendiendo. Una película de anime que no puede faltar en tu colección.

Análisis de Duro de matar 2/Die Hard 2

2008-12-11T12:42:00.001-08:00

En plena época navideña John McClane debe de ir al aeropuerto de la ciudad de Washington para aguardar el avión donde viaja su esposa Holly. Sin embargo, antes de que el avión de Holly llegue al aeropuerto, una banda de ex militares, liderados por el coronel Stuart (William Sadler), se apoderan a distancia de la torre de control del aeropuerto poniendo en jaque a quienes están a cargo. Debido a la terrible situación el oficial McCIane deberá una vez mas impedir que los malos se salgan con la suya y de ese modo evitar que su esposa y decenas de civiles pierdan la vida.
Duro de matar 2 (Die Hard 2, 1990) es la secuela del exitoso filme dirigido por John McTiernan. La película esta basada en la novela “58 minutes” del autor Walter Wager y en esta oportunidad es dirigida por el cineasta Renny Harlin quien logra un gran trabajo y consigue hacer de esta secuela un gran film.
Duro de matar 2 tiene un argumento tan bueno como su predecesora. Los enemigos a quienes se enfrenta McClane en esta nueva aventura no defraudan y siguen siendo tan duros e interesantes como los integrantes de la legendaria banda de Hans Gruber. Renny Harlin se luce en la dirección de este filme y logra dotarlo en todo momento de la violencia e intensa acción que John McTiernan le inyecto a la primera película. Bruce Willis vuelve a regalarnos una buena interpretación como el oficial McClane. Por otro lado, los roles secundarios también están muy bien representados por sus respectivos actores y actrices.
En Duro de matar 2 veremos a un par de personajes que ya habían aparecido en Duro de matar. De esos dos es el personaje del periodista Richard Thornburg, interpretado por William Atherton, quien aparecerá más en la cinta y tendrá un rol medianamente importante.
Antes del estreno de Duro de Matar 4 (Live free or die hard, 2007) Bruce Willis declaro que no le agradaban mucho las secuelas de Die Hard que se habían hecho hasta ese momento. Con respecto a Die Hard 2 él dijo que se parecía prácticamente a la primera. Debo reconocer que al ver Die Hard 2 uno de inmediato percibe que todo, desde la fotografía hasta la banda sonora, es similar a Die Hard. Sin embargo, yo opino que eso es quizás lo que hace de esta secuela una buena película ya que de ese modo conserva la esencia de su predecesora. Incluso al final volvemos a oír la canción Let it snow! Let it snow! Let it snow! interpretada por Vaughn Monroe, la cual se oyó al final de Duro de matar. Es normal que algunos discrepen con mi opinión y crean que al mantener intactos los elementos Que hicieron grande a la primera cinta, los productores quisieron asegurarse en la taquilla y no arriesgarse a intentar algo nuevo que pudiera ser rechazado por los fans de la primera película. Pero en fin, olvidando por completo ese aspecto, Duro de matar 2 no deja de ser una gran película que sobre todo goza de un guion original y eso en mi opinión es lo más importante.
Duro de matar 2 es una excelente película que conserva intacta la acción que todos disfrutamos en el primer film. Además cuenta con una historia que te regalara más de una emoción y que sobre todo te sorprenderá en más de una ocasión. Esta al igual que su predecesora son dos buenas opciones para pasar una navidad en medio de una lluvia de balas y oyendo explosiones.

Análisis de Old Boy/Hipnosis Mortal

2008-12-11T12:39:00.001-08:00

Oh Dae-su (Min-sik Choi) es un ciudadano coreano común y corriente quien una noche lluviosa es secuestrado y posteriormente encerrado en una habitación. Mientras él esta cautivo, su esposa y su pequeña hija son asesinadas y él es señalado como el autor de ambos homicidios. 15 años después Oh Dae-su es puesto en libertad sin que alguna vez alguien le dijera la razón de su cautiverio. De vuelta en las calles Oh Dae-su solo tendrá un propósito en la vida, hallar a la persona o personas que lo mantuvieron dentro de esa habitación por tantos años y cobrar su venganza.
Old Boy (2003) es una película coreana (de Corea del sur para ser mas exactos) dirigida por Chan-wook Park (Lay Vengeance, 2005) y basada en el manga de Nobuaki Minegishi. Aquí en el Perú el filme fue promocionado con el titulo de Hipnosis mortal. Si bien Hipnosis mortal es un titulo que se aleja bastante de la traducción real del titulo original, luego de ver la película me di cuenta de que este era un titulo que le quedaba muy bien al filme, ya que la hipnosis es un elemento clave dentro de la trama de Old Boy.
Old Boy es una cinta que atrapa al espectador desde su primera escena (la cual ocurre dentro de una dependencia policial). Min-sik Choi nos muestra desde esa primera escena su gran talento actoral. Oh Dae-su es un personaje que va evolucionando de una manera asombrosa a lo largo de toda la cinta. Pero Oh Dae-su no esta solo en su búsqueda de venganza. Mi-do (interpretada por Hye-jeong Kang), una linda y solitaria joven, es quien lo acompañara y además le hará volver a sentir el afecto de un ser humano.
La trama de Old Boy develara más de una sorpresa conforme vaya avanzando. Pero sin lugar a dudas es el desenlace el que se lleva todas las palmas y el que dejara a más de uno con la boca abierta. Old Boy también es una cinta que cuenta con un buen número de escenas extremadamente violentas y crudas que de seguro espantaran a los cinéfilos más susceptibles. Solo por citar un ejemplo, hay una escena en donde Oh Dae-su devora un pulpo vivo.
Old Boy es una película que increíblemente también fue mencionada en un informe sobre la masacre de Virginia Tech que ocurrió el 16 de abril del 2007 en los estados unidos. Lo que sucedió fue que se hallo una foto del joven asesino imitando una pose de uno de los personajes de la película. Estaba claro que al querer relacionar al asesino con la película, los medios estadounidenses querían echarle la culpa de la conducta violenta del muchacho a los filmes de contenido violento. Afortunadamente Old Boy no se vio afectada con esto. Después de todo Old Boy es mas que solo un filme violento, es sobre todas las cosas una excelente película con una trama como muy pocas se pueden hallar en el cine actual.
La música de Old Boy también es una maravilla y cada tema es realmente inolvidable. El estilo visual de la película es inmejorable. Solo basta ver la escena en que Oh Dae-su se enfrente a toda una legión de maleantes utilizando tan solo un martillo (Escena que Min-sik Choi debió repetir durante el rodaje). La escena esta filmada en una sola toma y utilizando un plano general y también un traveling horizontal. Sencillamente es una escena que quedara grabada en las retinas de los espectadores para toda la vida.
Old Boy es un filme único y también una obra maestra. El filme recibió el gran premio del jurado en el festival de Cannes del año 2004, una distinción que valgan verdades se lo tuvo bien merecido.
Nadie se puede perder Old Boy por nada de este mundo. Verla es una experiencia que solo los verdaderos cinéfilos sabrán disfrutar.

Análisis de Call of Duty 2 y Call of Duty 2 Big Red One

2008-11-26T13:09:00.000-08:00

Luego de que la compañía Activision lanzara el excelente juego Call of Duty Finest Hour en el año 2004, todos los gamers que disfrutaron de él esperaban ansiosos la siguiente entrega de esta franquicia. La secuela apareció en el año 2005, pero no fue la misma para PC y consolas tal como ocurrió con la primera entrega del juego. Para PS2, Game Cube y Xbox, Activision lanzo el juego Call of Duty 2 Big Red One, mientras que para el recién estrenado Xbox 360 y para PC, la compañía lanzo Call of duty 2.

La compañía Treyarch (Call of Duty 3 y Call of Duty World at war) se encargo de desarrollar COD 2 Big Red One. Por otro lado la compañía Infinity Ward (Call of Duty para PC y Call of Duty 4 Modern Warfare) desarrollo COD 2 para el Xbox 360y PC. Estos dos títulos no solo eran diferentes gráficamente sino también en el aspecto argumental.

Si bien la tramas de ambos juegos se llevan a cabo durante la segunda guerra mundial, son los roles que el gamer adopta en cada uno lo que los diferencia. En COD 2 Big red one, el gamer es un integrante de la famosa división de infantería norteamericana Big red one. Esta división fue considerada la mas heroica y también fue la mas condecorada durante la segunda guerra mundial. Existe una película que narra las hazañas de esta división la cual se titula simplemente Big red one (1980) y que fue dirigida y escrita por el director norteamericano Samuel Fuller. El año de su estreno la película fue editada y no pudo ser apreciada tal como su director lo quiso. Afortunadamente en el festival de Cannes del año 2004 el filme fue proyectado en su versión restaurada y con 47 minutos de metraje adicional. Esta película es considerada una joya del cine bélico no solo por sus impresionantes escenas de combate sino también por su poderosa historia la cual esta cargada de una fuerte critica hacia la guerra.

En COD 2 para Xbox 360 y PC, el juego se divide en tres campañas al igual que el primer COD para PC y consolas dándole al gamer la posibilidad de calzar los zapatos de un soldado ruso, un soldado británico y un soldado americano (como en el primer juego).

En las dos versiones del juego el gamer luchara en las más duras batallas que se llevaron a cabo en África y Europa. Los gráficos en ambos títulos son muy buenos, pero es obvio que en la versión para Xbox 360 y PC lucen más espectaculares. El aspecto sonoro te mete de lleno en los combates y la jugabilidad sigue siendo igual de buena que en la primera entrega.

En COD 2 Big red one aun tendrás una barra de energía. Sin embargo, ya no tendrás la posibilidad de llevar 4 mochilas de primeros auxilios como en el titulo anterior. Por otra parte, en COD 2 para Xbox 360 y PC, la barra de energía es dejada a un lado para así hacer los combates más reales. La única forma de recuperarte si eres herido de gravedad es poniéndote a salvo y esperar a que el circulo rojo alrededor de tu visión desaparezca.

El juego online esta presente en ambas versiones, pero es en COD 2 para Xbox 360 y PC donde los combates con gamers de otras partes del mundo se disfrutan mucho más.

COD 2 para Xbox 360 y PC es un juego que tuvo mucho más expectativa que COD Big red one. Sin embargo, eso no quiere decir que uno sea mejor que el otro. Ambos títulos son muy buenos y conservan intacta toda la emoción y acción que hicieron a la primera entrega de la franquicia todo un clásico. Si te gustan los First Person Shooter ambientados en el conflicto más grande de la historia, entonces no puedes dejar de jugar ninguna de las dos versiones de COD 2.

Análisis de Samurai Champloo

2008-11-26T11:57:00.000-08:00

Japón, periodo Edo. Mugen y Jin son dos samuráis que un día cruzan sus caminos. Mugen es un personaje violento y de pésimos modales. En cambio Jin es un guerrero que sigue el código samurái y además tiene unos finos modales. Los dos se meterán en problemas con los tipos que controlan el pueblo en donde ambos se conocen. A punto de ser asesinados ellos son salvados por Fuu, una linda jovencita que a cambio de haberlos librado de la muerte les pedirá que la acompañen a buscar al “samurái que huele a girasoles”.
Samurai Champloo es una serie de anime de 26 episodios estrenada en el año 2004 y dirigida por el maestro del anime Shinichiro Watanabe quien ha dirigido series tan exitosas como Cowboy Bebop, Excel Saga y también dos de los cortometrajes de The Animatrix (2003) los cuales se titulan Kid’s story y A detective story. Mucho antes de su estreno en la televisión nipona el director declaro que esta serie seria una aventura samurái hip hop.
Cowboy Bebop es una serie que yo vi cuando formaba parte de un club de anime. Luego cayo en mis manos la película de anime de esta serie titulada Cowboy Bebop: Knockin’ on heavens door (2001) cuya trama se desarrollaba mucho antes del final de la serie. Solo me basto ver este anime para darme cuenta del talento de popular Nabeshin y considerarlo como uno de mis directores de anime favoritos. Tiempo después de ver Cowboy Bebop vi algunos episodios de la disparatada comedia Excel saga y así yo comprobé que el señor Watanabe se podía mover en el género de la comedia con igual facilidad que en el de acción.
Samurai Champloo es una serie que me llamo mucho la atención desde que me entere de su existencia. Estaba claro que este no seria un anime cualquiera y que Shinichiro Watanabe se encargaría de darle su toque personal a cada uno de sus 26 capítulos.
Samurai Champloo es un anime que te atrapa con tan solo ver su impresionante secuencia de apertura. La animación y la música utilizadas en esta serie son de primer nivel al igual que el diseño de personajes el cual estuvo a cargo de Kazuto Nakasawa y Mahiro Maeda.
El tema de apertura se titula “Battlecry” y es interpretada por Nujabes mientras que los temas de cierre son: “Shiki no uta” y “Who’s theme” interpretados por Minmi, “You” interpretado por Kazami, “Fly” interpretado por Azuma Riki y “San Francisco” interpretado por Midicronica.
Si bien el hip hop no es uno de mis géneros musicales favoritos, debo admitir que disfrute mucho oyendo los temas de este género que fueron usados en la serie. Realmente son temas muy buenos.
En Samurai Champloo la cultura nipona de esa etapa de su historia se combina muy bien con la cultura hip hop. La serie se disfruta mucho ya sea por sus increíbles escenas de batalla o por los intensos dramas que también se ven. La estética visual de la serie es realmente fantástica. A lo largo de toda la serie veremos distintos tipos de personajes los cuales hacen más rico el argumento. Descubrir los pasados de Mugen y de Jin es otra cosa por la cual el espectador no querrá despegarse de este anime.
El final de Samurai Chmaploo es un de esos desenlaces que dejaran satisfechos a unos e insatisfechos a otros. Personalmente pienso que es un final aceptable, pero que esta muy lejos de igualarse al soberbio final de la serie Cowboy Bebop.
Samurai Champloo es una serie que tiene todos los elementos suficientes para que ningún otaku aficionado a la acción quiera perdérsela. Este es un anime que definitivamente te hará vivir grandes momentos y te mostrara de una manera muy original la vida de los legendarios samuráis.

Opening de la serie

Ending 1 de la serie

Análisis de Duro de matar/Die Hard

2008-11-26T11:52:00.001-08:00

John McClane es un policía de Nueva York que viaja a la ciudad de Los Angeles para pasar la navidad con su familia. Él y su esposa Holly están separados debido a la carrera profesional de ella. Ni bien pisa el aeropuerto el oficial McClane es llevado en limosina al edificio Nakatomi lugar donde se encuentra su mujer y en donde también se lleva a cabo una fiesta navideña. Lo que el policía neoyorquino ignora es que esa fiesta será interrumpida por la abrupta llegada de una banda de terroristas que tomaran como rehenes a todas las personas de la fiesta. Solo John McClane se librara de ese destino para luego embarcarse en la misión de salvar a los rehenes y sobre todo evitar que su esposa Holly sea dañada.
Duro de matar (Die Hard, 1988) es una película de acción basada en la novela de Roderick Thorp, dirigida por John McTiernan, el mismo que dirigió el clásico de ciencia ficción Depredador (Predator, 1987), y protagonizada por el hombre rudo de Hollywood Bruce Willis.
Aunque parezca difícil de creer, este filme se ha convertido con el tiempo en todo un clásico navideño. Obviamente aquí en vez de escuchar villancicos, oiremos balazos y maldiciones y en vez de observar renos surcando el cielo, veremos cuerpos volando por los aires. Creo que situar el argumento en una fiesta familiar como la navidad es parte del encanto y originalidad de esta cinta cargada de acción.
Duro de matar es una película violenta lo cual hace que sus escenas de acción sean mucho mas intensas. El filme también goza de una excelente historia y un increíble soundtrack a cargo del compositor Michael Kamen. Son tantas las buenas escenas que hay en la película que es difícil elegir una sola favorita. El rol del villano recae en Alan Rickman (quien interpreta a Severus Snape en la saga fílmica de Harry Potter) quien nos regala una muy buena interpretación y con la cual además coloca a su personaje Hans Gruber dentro del selecto grupo de los mejores villanos de la historia del cine.
Gracias a Duro de matar, Bruce Willis gano notoriedad mundial y se convirtió en el primer actor de televisión en cobrar un jugoso salario por protagonizar una cinta Hollywoodense, un hecho que no fue del agrado de las estrellas de la meca del cine quienes inmediatamente exigieron más dinero a los estudios por participar en sus películas.
Duro de matar es un filme de visión obligatoria y que no puede faltar en la colección de ningún cinéfilo. Si quieres pasar una noche buena diferente, acompaña a John McClane dentro del edificio Nakatomi y prepárate para la navidad mas violenta de tu vida.

Análisis de King Ralph/Un reinado de locura

2008-10-21T11:45:00.002-07:00

Una mañana en Inglaterra, toda la familia real se reúne para tomarse una fotografía. Lo que ellos no saben es que un accidente provocara que absolutamente todos mueran electrocutados. Este hecho como es de esperarse enluta a toda la nación inglesa, pero sobre todo dará inicio a la titánica misión de hallar a algún integrante de la familia real que aun este con vida y que pueda ocupar el trono. Finalmente, tras revisar en lo más profundo del árbol genealógico real, los encargados de la búsqueda consiguen hallar a un heredero al trono. Sin embargo, sus sonrisas de alegría se desvanecen de inmediato cuando descubren que el próximo rey de Inglaterra es nada menos que un norteamericano.
King Ralph (1991) es una divertida película, basada en la novela de Emilyn Willians, escrita y dirigida por David S. Ward y protagonizada por el genial John Goodman. Además en el filme también participan Peter O’Toole (Lawrence de Arabia, 1962) y John Hurt (Alien, 1979).
En esta cinta John Goodman interpreta a Ralph, un apasionado de la música que debe ganarse la vida tocando en lugares de poca monta. Sin embargo, una noche Ralph recibe la noticia de que pertenece a la familia real, algo que él había desconocido durante toda su vida. Ralph solo acepta su nueva vida cuando le dicen que un mundo de lujos y comodidades lo aguardan en Londres.
Sir Cedric Charles Willingham (Peter O’Toole) es quien se encargara de enseñarle a Ralph todo lo que debe saber para convertirse en un gran monarca. Por otra parte Lord Percival Graves (John Hurt) buscara a toda costa demostrar que Ralph es un perfecto incompetente y de ese modo ser él quien se convierta en el nuevo rey de Inglaterra.
Al comienzo Ralph se sentirá cómodo con su nueva forma de vivir. Sin embargo, pronto él descubre que la vida de un rey esta atiborrada de obligaciones y prohibiciones y eso será algo que lo hará pensar si en verdad esa es la vida que él quiere. Finalmente, Miranda Green, interpretada por Camille Coduri, será la chica de quien Ralph se enamorara y quien le traerá tanto alegrías como problemas.
Lo más delicioso de King Ralph es ver el choque cultural entre el exagerado estilo de vida norteamericano del protagonista y el serio y formal estilo de vida de la realeza. El filme no apela a las escenas escatológicas o a los chistes vulgares para hacer reír al espectador. Este solo se vale de su divertido y original argumento para alcanzar su objetivo como comedia.
King Ralph es una película que contiene muchos buenos momentos y un final que de seguro te sorprenderá. Definitivamente esta en una comedia que no puedes dejar de ver. Sobre todo porque solo en esta cinta conocerás al miembro de la realeza más divertido y alocado que alguna veza haya pisado el palacio de Buckingham.

Análisis de Paranoia Agent

2008-10-21T11:45:00.001-07:00

Cada año decenas de nuevos animes salen en Japón, pero en realidad son muy pocos los que trascienden. Dentro de ese privilegiado grupo esta Paranoia Agent, un anime que atrapa al espectador con una de las historias más extrañas y magnificas de los últimos tiempos.
Paranoia Agent es una serie de anime de 13 episodios que apareció en la televisión nipona en el año 2004 por el canal WOWOW. Su director es nada menos que el maestro Satoshi Kon, quien ha dirigido joyas de la animación como Perfect Blue (2001), Tokyo Godfathers (2003) o Paprika (2006). El gran estilo visual y narrativo que Satoshi Kon imprime en sus filmes está intacto en Paranoia Agent. En Japón los críticos catalogaron a esta serie como un anime sicológico mucho antes de su estreno oficial.
Los personajes principales en Paranoia Agent son ciudadanos y ciudadanas de la ciudad de Tokio que tendrán en común haber sido atacados por el chico del bate, un extraño personaje quien además de llevar siempre su instrumento de ataque, calza unos patines en línea dorados. Pero quizás lo más característico en él sea su enajenada sonrisa.
Los ataques del muchacho del bate serán investigados por dos agentes de la policía cuyas vidas se verán afectadas de formas distintas por culpa de este caso. Por otro lado, Tsukiko Sagi y su macota, la perrita de peluche Maromi son dos personajes que serán claves en el desarrollo de la trama. Tsukiko Sagi es una diseñadora quien, además de Maromi, ha creado otras criaturas que en su momento fueron fenómenos televisivos y de marketing en Japón.
En cada capítulo de Paranoia Agent se desarrolla una historia diferente. El chico del bate es pieza clave en el desenlace de cada uno de esos episodios. Se podría pensar que capturar al chico del bate es la trama principal de este anime, pero en realidad esa es solo una premisa que el director utiliza para abordar a lo largo de la serie temas como la popularidad, la doble personalidad, el voyerismo, la soledad o lo efímera que puede ser la felicidad. Paranoia Agent es bastante profunda y retrata magistralmente la sociedad japonesa actual.
Madhouse fue el estudio encargado de la excelente animación de este anime. Los diseños de personajes son de primera y los escenarios están llenos de detalles lo cual hace que la ciudad de Tokio mostrada en este anime luzca igual que la original.
La música de Paranoia Agent tampoco se podía quedar atrás. La banda sonora es muy buena y encaja perfectamente en cada escena importante de la serie. En cuanto al tema de apertura este no es una canción pop o rock como mayormente se utiliza en las series de anime. La canción se titula “Yume no shima shinen koen” y es un tema sencillamente inolvidable. Por otra parte, el tema de cierre, el cual se titula “Shirogaoka” (colina blanca), es una alucinada canción de cuna interpretada por Maromi, la extraña mascota de Tsukiko Sagi. Los temas de apertura y cierre fueron compuestos por Susumu Hirasawa, un pionero de la música electrónica en Japón.
Paranoia Agent es una serie que no decepciona y que encierra en cada uno de sus capítulos una historia muy interesante. Este anime tiene además giros argumentales que le darán aun más misterio y que te motivaran a mirarla hasta el final. El desenlace es sencillamente alucinante y también lleno de emotividad.
Si te gustan las series de anime diferentes y con tramas cautivantes y maduras, entonces definitivamente no te puedes perder Paranoia Agent.

Opening de la serie

Ending de la serie

Análisis de Macross Scrambled Valkyrie

2008-10-21T11:44:00.001-07:00

Macross Scrambled Valkyrie es un shooter en 2D desarrollado por la compañía Zamuse y lanzado para el SNES (Super Nintendo Entertaining System) en el año 1993. El juego se basa (aunque solo un poco) en la gran película de anime Macross Ai Oboete Imasuka (1984), la cual fue dirigida por Shoji Kawamori y Noboru Ishiguro.
Macross SV tiene tres personajes para escoger: Hikaru Ichijyo, Maximillian Jenius y Milia Fallyna Jenius. Cada uno de ellos tiene su propio Valkyrie personalizado. En el juego cada Valkyrie puede adoptar cualquiera de sus formas de batalla (Fighter, gerwalk y battroid). Dependiendo de qué forma usemos, tendremos un tipo de disparo diferente. En total habrá nueve tipos de disparos repartidos entre los tres personajes. Además cada tipo de disparo tiene tres niveles de intensidad. Para conseguir alcanzar el nivel más alto se debe coger unos ítems especiales que los jefes o algunos enemigos dejan en los escenarios después de ser eliminados. Por otro lado, si no presionas el botón de disparo, cualquiera de los valkyries que elijas quedara cubierto con un campo de fuerza. Si te pegas a algún enemigo mientras estas usando este campo, este se convertirá en tu aliado.
Otro detalle importante en el juego es que hay un crédito extra oculto en cada área. Estos créditos extra son pequeños escudos de la U.N. Spacy y son invisibles. Sin embargo, no son muy difíciles de hallar y solo hay que dispararles para hacerlos aparecer.
Macross SV tiene tres niveles de dificultad (easy, normal y hard) y siete áreas para pasar. El juego puede parecer corto, pero no lo es como aparenta. Jugarlo en el nivel normal es un verdadero reto y si quieres pasarlo con los tres personajes desde el inicio y en modo hard, entonces tendrás una buena cantidad de horas pegado a este sensacional titulo.
Macross SV cuenta con unos gráficos verdaderamente impresionantes. Los diseños de los valkyries y de los cruceros y batlepods zentraedis están muy bien detallados al igual que los escenarios y los enormes jefes de cada área.
La música de cada área ha sido trabajada de forma genial. Los temas son originales y son tan buenos que nunca saldrán de tu mente en cuanto los escuches. Y como no podía ser de otra forma, las canciones de la ídolo pop Lynn Minmay también están presentes en el juego. Son dos temas en total. El primero es “Mi novio es un piloto” y lo oirás en una parte del área numero 5 (justo cuando estas sobrevolando el enorme auditorio donde Minmay está dando un concierto) y el segundo es “Ai Oboete Imasuka” (¿recuerdas el amor?), el tema principal de la película, el cual escucharas al final del juego. Obviamente lo que oirás no serán las canciones sino solo las melodías de estas. Sin embargo, estas melodías están tan bien compuestas que suenan tan bien como si los temas estuvieran cantados. Otros temas que oirás de la saga Macross serán la melodía del opening de la serie original durante la presentación del juego y el tema “Dog Fighter” antes de comenzar cada área. Los efectos sonoros tampoco decepcionan y son de los mejores que se han oído en un shooter.
La jugabilidad es buena y cambia dependiendo en qué modo este tu Valkyrie. Por ejemplo, si usas el modo Fighter, tú te moverás con agilidad, pero si usas el modo Battroid, entonces tus movimientos serán lentos. Como es de esperarse el modo Gerwalk será el más equilibrado. Como ya escribí líneas arriba, los disparos cambian dependiendo en qué modo estés y es el modo Battroid el que tiene los disparos más potentes. Por eso la clave del juego es saber usar los modos de transformación en cada parte de los escenarios para de esa manera salir victorioso.
Macross Scrambled Valkyrie es uno de los mejores shooters que he jugado en mi vida y no lo digo porque sea un fan de la saga Macross, sino porque es la pura verdad. Su jugabilidad es perfecta al igual que su nivel de dificultad. Los gráficos, la música y la posibilidad de poder terminar el juego con tres de los mejores pilotos de la saga Macross hacen de este título una verdadera joya. Actualmente jugar este título es solo posible si lo descargas de internet. Sin embargo, he tenido la oportunidad de ver el juego bajado de internet y la verdad es que no se los recomiendo. La calidad de la música, los gráficos y los efectos especiales es muy baja debido a la compresión que ha sufrido el juego.
Definitivamente este es un juego que merece ser jugado en el SNES y verlo y oírlo tal como fue concebido.
Si tienes este cartucho en tu poder, esta de mas decirte que lo cuides como oro, pero si es todo lo contrario, lo único que podría aconsejarte es que busques en alguna tienda donde vendan juegos viejos, a lo mejor tienes suerte y te llevas a tu casa este fantástico shooter par SNES. Pero si no tienes alma de Indiana Jones para iniciar esa aventura, entonces siéntate y espera a que algún día el juego esté disponible en la tienda virtual del Nintendo Wii.
Macross Scrambled Valkirye es un juego que te brindara diversión asegurada y un verdadero clásico que no puede faltar en tu colección.

Análisis de The Terminator/El Exterminador

2008-10-21T11:43:00.000-07:00

En el futuro, la raza humana y las maquinas están enfrascadas en una guerra sin cuartel. John Connor es el líder de la resistencia mundial y a quien las maquinas desean eliminar a toda costa. Al no poder hacerlo en el futuro deciden enviar un exterminador al pasado para que mate a su madre, Sarah Connor y de esa forma evitar su nacimiento. El mismo John Connor envía a un joven soldado al pasado para proteger a su madre y evitar que las maquinas consigan su propósito.
The Terminator (1984) es un filme de ciencia ficción dirigido por James Cameron quien se lleno los bolsillos de verdes gracias al mega éxito de taquilla “Titanic”. Los roles protagónicos de la cinta recaen en Arnold Schwarzenegger como el exterminador, Linda Hamilton (ex esposa de James Cameron) como Sarah Connor y Michael Biehn como Kyle Reese, protector de Sarah. Originalmente el personaje del protector debió de ser interpretado por Arnold Swazeneger, pero al final él prefirió caracterizar al malo de la película.
Un actor que también aparece en el filme y merece ser mencionado es Lance Henriksen, el recordado Bishop de la saga Alien. En esta cinta él interpreta a un oficial de policía y participa en una de las escenas más memorables de la película: “La masacre en la estación de policía”.
Terminator es una película que yo vi por primera vez cuando estaba en la primaria. Recuerdo que fue de noche y estaba con mis padres y mi hermano. Es una cinta que me impacto bastante y que a lo largo de mi vida solo he podido ver un par de veces. Lo que sucede es que acá en el Perú parece que los canales de televisión se han olvidado de este gran filme. Terminator 2 es la única película de la saga que siempre programan y recientemente la tercera parte.
Hace unas semanas logre encontrar la película en DVD y en seguida me la compre. Sin embargo, me lleve una gran decepción cuando oí el doblaje de la película (para Latinoamérica), el cual era nuevo y no el que yo siempre había oído. Este nuevo doblaje es bastante regular y por ese motivo ahora solo veo la película en ingles. Yo soy de los que creen que cuando el doblaje está bien hecho, la película suena tan bien como en su idioma original o incluso a veces mejor.
The Terminator es claramente la película más oscura y violenta de la saga. Las escenas que se muestran del futuro están muy bien trabajadas mostrándonos con detalle la miseria y el peligro constante al que está expuesta la humanidad. Los efectos especiales utilizados para las maquinas también son muy buenos y cumplen perfectamente su propósito de graficarnos un futuro post nuclear. La banda sonora es muy buena al igual que las canciones ochenteras que se oyen en la cinta. La trama es solida y para quienes nunca hayan visto ninguna de las películas de Terminator habrá un par de sorpresas en este filme. Por último todos los personajes están muy bien interpretados y no hay ningún tipo de queja en ese aspecto.
Terminator 1 es una película de visión obligatoria para cualquier fan de la ciencia ficción y cinéfilos en general. Definitivamente este filme es un clásico que lleva el sello de James Cameron quien nos ha regalado otras joyas de la ciencia ficción como Aliens (1986) y el secreto del abismo (1989). Solo viendo este filme podrás atestiguar el inicio de la guerra por el futuro entre el hombre y la maquina.

Análisis de Call of Duty - Finest Hour

2008-10-21T11:42:00.001-07:00

En el año 2004 la compañía Activision lanzo el primer juego de Call of Duty (COD) para consolas caseras. Desde ese momento COD se ha convertido en el principal rival de Medal Of Honor y en una franquicia que, para ser francos, se ha hecho más popular e innovadora que MOH desde hace ya bastante tiempo.
Call Of Duty Finest Hour es el nombre de este primer título de la franquicia para consolas caseras y estuvo disponible para PS2, Game Cube y Xbox. El juego fue desarrollado por la compañía Spark Unlimited y publicado por Activision. COD Finest Hour es un FPS (First Person Shooter) ambientado en la segunda guerra mundial y se divide en tres campañas: rusa, británica y norteamericana (Un concepto que Activision volvió a repetir en el éxito de ventas y critica “Call of Duty 2” para Xbox 360).
CODFH es un titulo que te atrapa desde su épica y magnifica secuencia de apertura. Es como si estuvieras viendo la introducción de un filme bélico y además cumple con mostrarte parte de lo que veras a lo largo del juego.
COD divide el protagonismo de su trama entre varios personajes, incluso dentro de una misma campaña. Una bella francotiradora rusa (personaje muy parecido a Tania Chernova de la película bélica Enemigo al acecho del año 2001), un joven soldado ruso y un tanquista afroamericano (personaje que existió en la vida real) son solo algunos de los personajes que controlaras en este espectacular titulo. Cada historia es muy buena y te hace adentrarte aun más dentro del juego.
CODFH es un juego donde vivirás el calor de la batalla de principio a fin. En cada campaña tú tendrás la ayuda de tus compañeros. Cada uno de ellos tiene su propia barra de energía. Y aunque no influye en nada si mueren, tenerlos con vida puede ser de utilidad en algunas misiones del juego. Por otro lado, la inteligencia artificial de los enemigos es muy buena y te pondrá en aprietos en más de una ocasión. Las misiones son variadas y tienen un buen grado de dificultad. En COHFN tú podrás conducir tanques, caminar por ciudades en ruinas, buscar enemigos dentro de edificios, ir a través de inmensas alcantarillas o ser un francotirador. Los nidos de ametralladoras y las cargas de infantería no te dejaran respirar ni un solo segundo haciéndote sentir como si estuvieras en una autentica guerra.
Gráficamente el juego es bueno y está lleno de detalles. Las ciudades están magníficamente diseñadas y verlas es todo un deleite. Por otra parte, cada aliado y enemigo cuenta con una buena cantidad de movimientos, lo cual contribuye a que las misiones y en especial las grandes batallas en el juego luzcan muy realistas.
El sonido en CODFH es genial y cumple a cabalidad su propósito de hacerte sentir que estas en medio del campo de batalla. Pero si hay algo en el juego que merece una larga salva de aplausos es la banda sonora. Cada tema en COHFH es único y es digno de cualquier clásico del cine de guerra. Gracias a este soundtrack de lujo, cada batalla en CODFH es épica e inolvidable.
La jugabilidad es adecuada y no presenta ningún tipo de queja. Puedes llevar hasta dos armas contigo, así como granadas y bolsas de medicina. Puedes también recoger las armas de los enemigos muertos y cambiarlas por alguna de las que tú tienes.
CODFH es un juego que contiene todos los elementos necesarios para convertirse en un clásico. Las batallas son espectaculares y épicas al igual que el sonido y la banda sonora. Además CODFH tiene una trama solida y carece de elementos inverosímiles como sucedió con Medal of Honor European Asault en donde el personaje principal, un soldado americano, es enviado en una misión a ayudar a los rusos en plena batalla de Estalingrado.
CODFH es un videojuego que no puedes dejar de jugar por nada de este mundo porque te brinda una experiencia que pocos FPS pueden darte. Estalingrado, el norte de África y el legendario puente de Remagen son solo algunos de los sitios que visitaras en este juego y en donde libraras las más encarnizadas batallas contra el poderoso ejército alemán.

Galería - Taki/Soul Calibur

2008-09-05T09:31:00.000-07:00

Galería - Devil May Cry

2008-08-01T09:51:00.001-07:00

Galería - Metal Gear Solid

2008-07-14T12:24:00.000-07:00

Galería - Gears Of War

2008-06-30T11:30:00.000-07:00

Análisis de Resident Evil 2

2008-05-31T12:15:00.001-07:00

Resident Evil 2 (PS1, 1998) es sin duda alguna una de las mejores secuelas de la famosa saga del survival horror creada por el genial Shinji Mikami. Resident Evil 2 mejoro considerablemente todo lo visto en el primer juego y llevo a la franquicia a un nuevo nivel.
De todos los juegos de la saga, Resident Evil 2 fue al cual yo espere con más expectativa. Recuerdo que yo y mis amigos especulábamos sobre la historia del juego y sobre que cosas nuevas traería esta nueva entrega. Todos deseábamos que la trama se desarrollara en Raccoon City y que se explicara más sobre los orígenes de la corporación Umbrella. Afortunadamente Resident Evil 2 colmo todas mis expectativas concernientes a la historia y a todo lo relacionado con el juego.
Resident Evil 2 es un juego que nos transporta a una Raccoon City plagada de zombis y de horribles y peligrosas criaturas. Esta vez los roles protagónicos recaen en Leon S. Kennedy y en Claire Redfield. Leon es un policía novato que llega a Raccoon City para unirse al R.P.D. (Raccoon City Police Department). Por otro lado, Claire es la hermana menor de Chris Redfield y llega a la ciudad para buscar a su hermano. En la primera versión del juego la cual actualmente es conocida como Resident Evil 1.5 el personaje femenino se llamaba Elza Walker, una joven motociclista rubia que no tenía ningún parentesco con Chris Redfield.
Al igual que en Resident Evil 1, en RE2 podemos elegir entre jugar con Leon o con Claire, pero a diferencia del primer juego en este cada personaje tiene su propio disco. Si bien los caminos de Leon y de Claire son diferentes en algunas partes del juego, la gran mayoría del recorrido es igual para los dos.
Cada personaje tiene armas exclusivas para cada uno así como diferentes compañeros que los ayudaran en algunas partes del juego. Por ejemplo Leon contara con la ayuda de la enigmática Ada Wong, mientras que Claire con la de Sherry Birkin, hija de William Birkin, científico de Umbrella encargado de desarrollar el virus G.
Como en todo juego de Resident Evil, en RE2 encontraremos gran cantidad de documentos a lo largo del juego que nos ayudaran a comprender mejor la historia.
Gráficamente RE2 es sobresaliente y aun hoy en día sus gráficos siguen deleitando por el detalle de sus escenarios. Quizás los cinemas 3D de RE2 ahora no impacten tanto como en su momento y luzcan bastante simples, pero aun así continúan ilustrando muy bien los acontecimientos claves de la trama.
El apartado sonoro también es excepcional. Escuchar el sonido de las armas más potentes es un aliciente extra que le da más impacto y emoción a las batallas.
En cuanto a la jugabilidad, esta es superior a la que el primer juego tuvo. La dificultad de RE2 tampoco decepciona y lo hace un juego con un buen nivel de reto. Por ejemplo cuando Leon o Claire son gravemente heridos, ellos se mueven con mucha dificultad, lo cual hace importante mantener en todo momento un buen estado de salud.
Luego de terminar el juego por primera vez, deberás de terminarlo nuevamente con ambos personajes para así sacar el verdadero final del juego. Las armas y los trajes especiales también están presentes en RE2. Finalmente tendrás la oportunidad de jugar dos mini juegos: uno protagonizado por Tofu (un pedazo de queso de soya japonés) y otro protagonizado por Hunk, un soldado de la corporación Umbrella y considerado el cuarto sobreviviente. El juego de Hunk es realmente demandante y difícil de completar. Sin embargo, es una gran satisfacción terminarlo y así conocer más de la historia del juego. RE2 es un videojuego que también estuvo disponible para Sega Dreamcast, Nintendo 64 y Nintendo Game Cube.
A pesar de los años Resident Evil 2 es un titulo que tiene todo lo necesario para volver a ser jugado y disfrutado como si fuera la primera vez. Si quieres vivir una aterradora experiencia, visita las calles de Raccoon City e intenta ser un sobreviviente mas en la ciudad donde la muerte esta a la vuelta de cada esquina.

Análisis de Gantz

2008-05-31T12:13:00.000-07:00

Gantz es una serie de anime que me atrapo desde su impactante primer episodio. Al comienzo Gantz era un anime que no me llamaba mucho la atención, a pesar que un amigo me contó lo buena que era. En ese tiempo la serie estaba siendo transmitida por el canal Animax de Latinoamérica.
Un día cuando estaba buscando algo de anime en una tienda especializada, el vendedor me recomendó Gantz. Al escuchar nuevamente lo buena que era la serie, finalmente me decidí a comprarla en video y verla de una buena vez.
Como escribí líneas arriba, Gantz es un anime que capto mi atención desde el primer episodio. Sin duda alguna estaba ante un anime diferente y con un argumento sensacional. Tras terminar de ver los 26 episodios de la serie, me embarque en la búsqueda de más información acerca de la historia de Gantz.
Gantz es una serie de anime animada por Studio Gonzo (Saikano) y basada en el manga de Hiroya Oku. El anime narra la historia de Kei kurono, Masaru Kato y la bella Kei Kishimoto (la popular “Megatetas”), tres jóvenes estudiantes que tras morir aparecen dentro de una habitación en donde solo hay una gran esfera negra conocida como Gantz. Los tres protagonistas se verán envueltos en un extraño juego donde tendrán que eliminar a grotescos y extraños seres. A lo largo de la serie harán su aparición distintos tipos de personajes, los cuales harán mas interesante la trama.
La animación y la música de Gantz son de primer nivel. Super Shooter, el tema de apertura e interpretado por Rip Slyme es muy bueno, al igual que la romántica canción de cierre titulada Last Kiss e interpretada por la cantante Bonnie Pink.
La serie de anime tiene dos versiones: una censurada y otra sin censura. El canal Animax transmitió la versión sin censura. Los DVD’s de Gantz que yo compre eran también sin censura. Al parecer la versión censurada es difícil de conseguir. Seria interesante conseguirla y así ver como se concibió Gantz por primera vez para la televisión japonesa. En algunas páginas Web de Gantz se puede hallar información sobre la versión censurada de la serie.
Gantz es un anime cargado de violencia extrema, dramatismo y buenas dosis de contenido sexual. En Gantz la sociedad nipona es retratada de una manera cruda y por momentos despiadada. La historia es sin duda lo mejor de Gantz. Las relaciones de los personajes son muy humanas y logran ser interesantes en todo momento. El drama es otro factor que hace de Gantz un anime sensacional y único.
La serie de anime narra los acontecimientos que ocurren hasta el capitulo 90 del manga (volumen 8). Hay algunos cambios obviamente, pero estos son muy pocos. Luego el anime elabora su propio desenlace mientras que el manga continua la historia. La batalla final de la serie es aceptable, aunque honestamente es inferior a las batallas que se desarrollan previamente en la serie. Aun así, el anime de Gantz es todo un deleite visual y narrativo y es una serie imprescindible para un verdadero otaku.
Actualmente el manga de Gantz esta siendo editado por la editorial Glenat en España y por el Grupo Editorial Vid en México. El volumen 21 es el último que ha salido a la venta en España. En Japón el manga aun sigue siendo publicado y ya ha llegado al capitulo 264.
Además hay un juego de Gantz para PS2 titulado Gantz: The Game (2005). El juego fue publicado y desarrollado por Konami y solo fue lanzado en la tierra del sol naciente.
Gantz es una anime y un manga que sin duda alguna es uno de los mejores que han aparecido en los últimos años. Es probable que mas adelante se haga una nueva temporada de la serie o incluso una película live action de Gantz (lo cual haría felices a sus miles de seguidores). Sin embargo, aunque eso no suceda, Gantz es una historia que ya ha dejado su huella en el mundo del manga y el anime y que vivirá por siempre en la mente de todos los otakus que un día se atrevieron a entrar a una solitaria habitación y a descubrir el violento y alucinante universo de Gantz.

Opening de la serie

Ending de la serie

Comercial de Gantz

Análisis de Ico

2008-05-31T12:12:00.000-07:00

Ico es un videojuego que salio al mercado en el año 2001 y que fue desarrollado por el Team Ico (los mismos de Shadow of the colossus). Al frente de este equipo creativo estaba el señor Fumito Ueda, quien dio todo de si mismo para ofrecernos a los gamers de todo el mundo un juego inolvidable.
Ico originalmente estaba destinado para el Play Station 1. Al final Sony decidió lanzarlo para el PS2 y así ofrecerle al Team Ico mejores herramientas para el desarrollo del juego.
El juego narra la historia de Ico, un muchacho que nació con cuernos y que por eso es condenado a vivir encerrado dentro de un antiguo castillo. Dentro del castillo, un temblor provoca que la prisión de roca de Ico caiga al suelo y se rompa. Una vez libre Ico comienza a buscar una salida del castillo. En su búsqueda, Ico se topa con Yorda, una bella jovencita, quien esta encerrada en una celda. Luego de liberar a Yorda, Ico tendrá que protegerla mientras juntos buscan una manera de salir del enorme castillo.
Jugar Ico es toda una experiencia. Cada rincón del castillo te hace experimentar la soledad en que están inmersos los personajes. Los sonidos ambientales son excelentes logrando transportar al video jugador al mágico mundo de Ico. Los gráficos son muy buenos y hasta el día de hoy continúan siendo de gran calidad. El diseño del castillo donde se desarrolla la ventura es magnifico y cada detalle esta muy bien trabajado.
En cuanto a la jugabilidad esta es sencillamente perfecta. Quizás al comienzo debas de acostumbrarte al manejo de la cámara, pero conforme avanzas en el juego consigues dominarla a la perfección. La dificultad de Ico se basa en tu habilidad para resolver puzzles. La mayoría no son tan difíciles de resolver. Sin embargo, un par de ellos te harán romperte la cabeza por un buen tiempo. Luchar contra las sombras también ofrece reto al juego, al igual que los obstáculos que tendrás que superar a lo largo del juego.
La historia de Ico es cautivante y tiene un final muy bueno (aunque algunos piensan lo contrario). La canción You were there, la cual se escucha al final del juego, es hermosa y perfecta para un juego como Ico.
A diferencia de Shadow of the colossus, Ico no tiene mucho que ofrecer después de haberlo terminado. El juego solo tiene un par de secretos, lo cuales obviamente no son suficientes para los fans de Ico. Afortunadamente Ico no necesita de contenido extra para ser un de esos juegos que se queda grabados en tu memoria para toda la vida.
Ico es un juego que aun puede encontrarse en tiendas online como Amazon. Es un juego que definitivamente ningún gamer pude dejar de jugar y así vivir una de la mejores aventuras de la historia de los videojuegos.

Análisis de Eastern Promises/Promesas Peligrosas

2008-05-26T11:50:00.000-07:00

En el año 2006 tuve la suerte de ver la película Una historia violenta (A History Of Violence, 2005) justo un día antes que fuera retirada de la cartelera del cine del distrito donde yo vivo. Decidí ir a verla después de haber leído muy buenos comentarios sobre ella. Además en el filme estaba Ed Harris, uno de mis actores favoritos. Por otro lado, quería saber como Viggo Mortensen se desempeñaba en una producción totalmente opuesta a la saga de El señor de los anillos.
Aunque parezca difícil de creer, yo conocí la obra de David Cronenberg cuando yo estaba en la primaria. La mosca (The Fly, 1986) fue la primera película del realizador canadiense que pude apreciar gracias a la televisión. Obviamente en ese tiempo no me llamaba la atención saber quien dirigía la película. Si bien siempre me ha encantado el cine, fue recién desde mi adolescencia en que comencé a prestarle atención a los nombres de los directores y a lo que había detrás de cada producción.
Una historia violenta fue un filme que me atrapo de principio a fin. Cada detalle y cada plano estaban trabajados de una manera soberbia. ES por eso que cuando me entere que Cronenberg estaba realizando una cinta parecida y con Viggo Mortensen de nuevo en el rol principal, de inmediato comencé a contar los días para que el filme llegara al Perú. Vaya que fue una espera larga. Por mementos pensé que Eastern Promises no llegaría al Perú. Felizmente eso no sucedió y al final pude ver en pantalla gigantes le nueva obra del maestro David Cronenberg.
Eastern Promises (2007) narra la historia de Anna (la bella Naomi Watts), una joven partera, quien una noche debe encargarse del parto de una adolescente rusa. Desafortunadamente la adolescente muere dejando en la orfandad a su bebe recién nacida. Con la ayuda del diario personal de la adolescente, Anna se embarca en la búsqueda de mas información acercadle pasado de la adolescente y si ella tiene algún familiar que pueda encargarse de la niña. Es así como Anna conocerá a Nikolai (Viggo Mortensen), un hombre que trabaja para la mafia rusa en Londres y que poco a poco ira relacionándose con la joven partera.
Eastern Promises es un filme que impacta desde su primera escena. El aspecto visual es impecable y el guión es excelente. Además las actuaciones logran estar a la altura de esta gran película. La forma como la cinta muestra a la mafia rusa es muy respetuosa y a la vez fascinante. La película se siente muy humana en todo momento.
Eastern Promises tiene tantas buenas escenas que a cualquiera le seria difícil elegir una favorita. Sin embargo, en mi opinión, La pelea que Nikolai tiene con dos sujetos en un baño sauna es una de las mejores escenas del filme y la que merece todos los aplausos. En dicha escena Viggo Mortensen no duda en pelear completamente desnudo frente a las cámaras. Sin duda alguna es una escena audaz y que muy raras veces se ve en una película. La escena además contiene grandes dosis de violencia y una atmósfera salvaje que deja impactado al espectador.
Eastern Promises tiene muy buenos giros arguméntales y un final que transmite melancolía y soledad. El apartado musical es también digno d merito y cumple su papel de forma sobresaliente en cada escena importante de la película.
Eastern promises es un filme violento, peo que también tiene una historia cargada de dramatismo. David Cronenberg nos muestra una vez más su talento creativo con esta cinta.
Si viste Una historia violenta, entonces no puedes perderte Eastern Promises. Así que date una vuelta por las calles de Londres y descubre el interior de la mafia rusa a través de los ojos del genial director canadiense.

Análisis de The Hitcher/Carretera al infierno - El remake

2008-05-26T11:39:00.000-07:00

The Hitcher (2007) es una película dirigida por Dave Meyers, un reconocido director de videos musicales. Este filme es un remake de la cinta del mismo nombre realizada por Robert Harmon en 1986. Cabe mencionar también que la película original tiene una secuela hecha en el 2003 para el mercado del video y titulada The Hitcher: I’ve been waiting for you.
The Hitcher nos narra la historia de una joven pareja que decide viajar en auto por nuevo México con destino a una fiesta. Al comienzo todo ira de maravilla. Sin embargo, su viaje de placer se transformara en una pesadilla cuando uno de ellos decide darle un aventón a un misterioso hombre, quien no tarda en presentarse como un sanguinario psicópata.
The Hitcher es una cinta que fui a ver al cine, a pesar que cuando mire el trailer, este no me convenció lo suficiente. Sin embargo, aun así tenia algo de expectativa por ella, de lo contrario no hubiera gastado mi dinero en la entrada.
Al apagarse las luces e iniciar la proyección, pensé que quizás me toparía con una buena película de terror y que saliendo del cine estaría satisfecho por haber ido a verla. Sin embargo, cuando mire el nombre de Michael Bay (Transformers, Pearl Harbor) como uno de los productores, todas mis expectativas se fueron al suelo.
Como todo cinéfilo debe saber, Michael Bay es un cineasta que ha labrado una fama de dirigir películas visualmente espectaculares, pero con guiones francamente decepcionantes. La roca (1996) es quizás el único filme de Michael Bay que además de tener acción, tiene una historia excelente.
The Hitcher es una película que a lo largo de su metraje nos ofrece escenas interesantes. Me gustaría decir escalofriantes en ves de interesantes, pero sucede que esta cinta no asusta en ningún momento. Sean Bean (The Lord Of The Rings) hace una buena caracterización del psicópata. Sin embargo, creo que la producción debió escoger un actor con un rostro más intimidante. El actor y la actriz que conforman la joven pareja protagónica evidencian durante toda la película el poco tiempo que le dedicaron a la construcción de sus personajes. Ambos no consiguen hacer sentir su miedo y desesperación al espectador.
En The Hitcher, Michael Bay al parecer también quiso colaborar con la dirección y eso se nota claramente en la ausencia de violencia explicita, la presencia de impresionantes persecuciones automovilísticas y un final que parece haber sido planeado mas para una cinta de acción y no para una de terror.
The Hitcher es un filme que a pesar de no ceñirse por completo al género de terror, tiene algunos buenos momentos. Quizás no sea una remake tan bueno como la genial El despertar del diablo (The Hill Have Eyes, 2006), pero al menos consigue entretener al espectador y eso al fin y al cabo es lo que toda persona busca cuando va a ver una película.

Análisis de Jumper

2008-04-23T10:44:00.000-07:00

Jumper (2008) es una película dirigida por Doug Liman (The Bourne Identity, Mr. & Mrs. Smith) y basada en la novela de Steven Gould. La cinta nos narra la historia de un joven quien tras estar al borde de la muerte, descubre que tiene el don de poder teletransportarse. El joven decide utilizar dicha habilidad para robar bancos y así proveerse una vida llena de lujos y comodidades. Sin embargo, luego de unos años el joven descubrirá que él no es el único que puede teletransportarse en el mundo y que además hay una organización secreta que se encarga de eliminar a personas como él. El rol protagónico del filme recae en Hayden Christensen, quien se hizo mundialmente conocido por interpretar al joven Anakin Skywalker en los episodios 2 y 3 de la saga de Star Wars. El resto del reparto esta conformado por Jaime Bell (Billy Elliot, Flags Of Our Fathers), Rachel Bilson (The O.C.), Diane Lane (Unfaithful) y Samuel L. Jackson (Pulp Fiction).
Jumper es un filme con muy Buenos efectos especiales. La forma como se teletransportan los jumpers es muy vistosa y estas se hacen aun mas asombrosas cuando los jumpers están involucrados en escenas de batallas. Por otro lado la cinta tiene buenas dosis de drama, lo cual hace aceptable su argumento y permite que los efectos especiales no sean lo único atractivo de la cinta. El elenco de Jumper cumple muy bien su trabajo y consiguen darles veracidad a sus personajes. Pero quien definitivamente se lleva las palmas es el gran Samuel L. Jackson quien interpreta de forma excelente su rol como el malo de la película consiguiendo intimidar al espectador con su sola presencia.
Quien también merece un aplauso es el director, quien hizo muy bien en filmar la mayoría de escenas de la cinta en escenarios reales. Gracias a eso la película goza de más realismo y aumenta más su calidad visual.
Jumper es un filme que entretiene de principio a fin. La cinta tiene escenas muy buenas y un final muy bien realizado. Hay detalles en la película que me imagino serán desarrolladas en una próxima secuela, la cual ha sido anunciada para el año 2011. Si buscas una historia original y cargada de acción, Jumper es una película que no puedes dejar de ver.

Análisis de 10,000 A.C.

2008-04-23T10:39:00.000-07:00

10,000A.C. es una película dirigida por Roland Emmerich, el mismo realizador que nos ha regalado cintas como Independence Day (1996) y The Patriot (2000). 10,000A.C. es una gran superproducción que nos narra la historia de D’Leh, un cazador de mamuts que se embarca en una difícil travesía con el objetivo de rescatar a Evolet, su hermosa novia, quien es apartada de él por unos misterioso guerreros provenientes de tierras muy lejanas.
10,000A.C. es un filme que lamentablemente no contiene la originalidad y creatividad que el director le imprimió a sus anteriores producciones. Antes de ir al cine a ver esta película, pensé que con esta cinta, Roland Emmerich se reconciliaría con sus segadores tras realizar El día después de mañana (2004), una película vacía y carente de un buen guión. Sin embargo, luego de ver 10,000A.C., tuve que concluir que Roland Emmerich esta atravesando una triste crisis creativa.
10,000A.C. es un filme que falla desde el elenco de actores que deben encarnar a los personajes principales. Ninguno de ellos luce como un ser humano que vivió en la prehistoria. Si a eso le sumamos que casi todos hablan en ingles, al final nos queda unos personajes principales tan poco creíbles como los mamuts que vemos en la película. Es cierto que este es un producto de entretenimiento y no un documental educativo. Aun así creo que hubiera sido mejor escoger a otros actores para los roles principales. Quienes si lucen más creíbles con las decenas de extras que aparecen a lo largo del filme.
10,000A.C. es una película que sorprende por la forma exageradamente simple con que se resuelven algunos de los temas que se tocan en la cinta, como por ejemplo el viaje del padre de D’Leh, la relación de D’Leh con el enorme tigre dientes de sable o el reinado del dios que controla la tierras a donde D’Leh debe viajar. Otro detalle importante que debo resaltar es la ausencia de violencia y sangre en la película. Es incomprensible que en un filme que se sitúa en una era tan antigua, no se represente bien la brutalidad y el salvajismo de esos tiempos. Por otro lado, en algunas escenas, 10,000A.C. se asemeja un poco a Apocalypto (2006), la gran película de Mel Gibson, la cual obviamente en un millón de veces superior a la cinta de Emmerich. Pero es sin duda alguna en el final de 10,000A.C. donde Roland Emmerich termina por sepultar su película forzando un final feliz y que no hace mas que molestar a los verdaderos cinéfilos. Quizás las únicas cosas buenas de 10,000A.C. sean las hermosas e imponentes tomas panorámicas y la exótica belleza de la actriz Camilla Belle, quien en la cinta interpreta a Evolet y quien además de niña hizo una breve aparición en la escena inicial de The Lost World Jurassic Park (1997). Pese a tener un guión pobre y carente de momentos memorables, 10,000A.C. es un filme que logra entretener por ratos a quienes la ven por primera vez. Ojala que Roland Emmerich recupere pronto sus buenas ideas y así nos pueda regalar otra película con una historia cargada de emociones.

Análisis de Halloween - El remake

2008-03-24T11:41:00.000-07:00

Halloween (2007) es una película escrita y dirigida por Rob Zombie (House of 1000 corpses, 2003) y basada en el guión original del maestro John Carpenter y Debra Hill. John Carpenter dirigió la película original de Halloween en 1978. Casi 30 años después Rob Zombie filma la misma historia, pero desde una óptica totalmente diferente. Esta nueva entrega de la popular franquicia es más que un simple remake. Con este filme Rob Zombie quiere mostrarnos una visión totalmente nueva sobre el origen del desalmado y violento Michael Myers, protagonista de esta famosísima saga de horror.
La película comienza durante la infancia de Michael Myers. El entorno familiar del protagonista es lo primero con lo que se topa el espectador en el filme. La familia de Michael Myers es todo lo opuesto a la típica familia americana. Su madre es una bailarina de strip tease y su padrastro es un tipo vulgar que observa con lujuria la anatomía de su hermana mayor. Finalmente esta la hermanita menor de Michael Myers, un personaje que es muy importante en la trama de la película.
Halloween es una cinta violenta, pero no goza de escenas impactantes como otros filmes de su género. El lenguaje plagado de contenido sexual esta presente con fuerza en la primera mitad de la cinta. La música es un aspecto que vale la pena resaltar, ya que realza cada momento importante de la película. Las actuaciones son convincentes y dotan de suficiente credibilidad a los personajes. Los desnudos femeninos también están presentes en el filme para regocijo de la platea masculina.
Halloween es un filme que comienza muy bien. Sin embargo, durante la última media hora, la película se torna un poco lenta. Aun así no dejan de ser interesantes las escenas que se desarrollan en ese periodo de tiempo. Por ultimo, la atmósfera fúnebre y fantasmal de la gran mayoría de escenas compensa la falta de violencia extrema con la que el filme hubiera quedado mucho mejor.
Rob Zombie ya había demostrado su talento cinematográfico con su película The house of 1000 corpses. Con Halloween solo reafirma sus dotes como director y muestra una vez más su estilo personal para contar historias. Halloween es un filme que trae de regreso por la puerta grande a uno de los asesinos más temibles y fascinantes de la historia del cine.

Análisis de 30 días de noche/30 Days of Night

2008-03-19T12:24:00.000-07:00

30 días de noche (2007) es una película dirigida por David Slade (Hard Candy, 2005) y basada en el comic de Steve Niles y Ben Templesmith. El filme se sitúa en una zona de Alaska donde cada año la noche se instala allí por prácticamente un mes entero. Aquel singular suceso será aprovechado por un grupo de vampiros, quienes no dudaran en acabar con un pueblo entero con tal de saciar su sed de sangre. Sin embargo, unos cuantos pobladores intentaran luchar contra ellos y así tratar de sobrevivir a esa horrenda pesadilla.
La película inicia mostrándonos tomas panorámicas de las heladas tierras donde el festín de sangre se llevara a cabo. Personalmente pienso que esas escenas de apertura son lo mejor de todo el filme. Aquellas escenas muestran la soledad del lugar donde viven los protagonistas. Además son presentadas de una manera fúnebre, dándole al espectador la sensación que estuviera entrando a un cementerio. La fantasmal música y la soberbia fotografía son piezas fundamentales para que esa impresionante secuencia de apertura transmita todo esa atmósfera.
Visualmente la película es muy buena y argumentalmente tampoco decepciona. Sin embargo, a pesar de ser una película de vampiros, esta no es tan sangrienta y explicita como muchos fans del género podrían esperar. Es cierto que hay violencia y una que otra escena cruda, pero no esperen encontrar escenas impactantes como las vistas en filmes como Entrevista con el vampiro (1994) o Drácula de Bram Stoker (1992).
30 días de noche nos presenta a unos vampiros llenos de maldad y poseedores de rostros verdaderamente aterradores. En ningún momento de la cinta se menciona el origen de estos bebedores de sangre, lo cual me imagino si se explica en el comic. Lo único que nos dice la película acerca de ellos es que hablan su propia lengua y llevan cientos de años caminando por la tierra.
El filme no aburre en ningún momento. Por otro lado el final esta muy bien elaborado y deja un muy buen sabor de boca. Finalmente las actuaciones son correctas, aunque hubiera sido bueno que los personajes hubieran tenido un poco mas de complejidad. Aun así los actores se encargan de llevar muy bien sus roles y llenar de sentimientos humanos la película.
30 días de noche es una buena película de vampiros a pesar de faltarle más galones de sangre. La atmósfera del filme esta muy bien trabajada y la música cumple a la perfección su función. Sin duda alguna una película que merece ser vista, sobre todo si alguien desea volver a casa cubierto con la bebida favorita de las criaturas de la noche.

Análisis de John Rambo/Rambo 4

2008-03-14T15:05:00.000-07:00

John Rambo es un personaje que hizo su primera aparición cinematográfica en la película First Blood (1982). Rambo 1, como todo el mundo la conoce, estaba basada en la novela de David Morrell y narraba la historia de John Rambo, un veterano de Vietnam, quien por culpa de un policía prejuicioso, se vera envuelto en una lucha por su propia supervivencia. De las tres primeras películas sobre el aguerrido ex boina verde, considero a esta como la mejor de todas. First Blood más que una película de acción era en filme sobre un ex combatiente que buscaba adaptarse nuevamente a la sociedad y dejar atrás sus tormentosas experiencias en la selva de Vietnam. Todo lo contrario sucedió en Rambo 2 (1985) en donde Sylvester Stallone convirtió a su personaje en un héroe de acción puro, capaz de hacer polvo a un ejército completo. Rambo 2 es una buena secuela. Sin embargo, el filme no explota mucho el contenido humano como en la cinta original. Por otro lado Rambo 3 (1988) es la película que menos me agrada, debido a la forma estereotipada como se muestra al ejercito ruso y también por la secuencia inverosímil en done Rambo y el coronel Trautman enfrentan solos a todo un ejercito.
Un detalle más sobre Rambo 3 es que en dicho filme Rambo ayuda nada menos que a los talibanes a expulsar a los soviéticos de Afganistán.
Rambo (2008) es la cuarta película de la saga, la cual esta escrita, dirigida y protagonizada por el mismo Sylvester Stallone. En esta oportunidad Rambo debe de rescatar a un grupo de voluntarios que viaja a Birmania a ofrecer ayuda humanitaria, pero que desafortunadamente son capturados por el ejército de ese país. Al igual que en Rambo 3, en Rambo la historia también se desarrolla en medio de un conflicto real y de interés mundial. Desde el inicio del filme Sylvester Stallone se encarga de mostrarnos la crudeza y el horror de la guerra civil que hasta el día de hoy asola Birmania.
El personaje de Rambo que vemos en esta cinta es un hombre maduro y melancólico que vive en Tailandia atrapando cobras y navegando por los ríos de ese país asiático. La cinta tiene una atmósfera crepuscular, lo cual se nota desde la maravillosa secuencia a inicios del filme que muestra la vida cotidiana del veterano héroe de guerra. Dicha secuencia esta acompañada por la clásica melodía de la saga, compuesta con un tono triste y nostálgico para la película.
Mucho antes de su estreno, todos los medios de comunicación anunciaban que este filme seria el mas violento de toda la saga. Luego de ver la película pude confirmar que todos esos comentarios eran ciertos. El cuarto filme de Rambo es violencia pura. La brutalidad extrema esta presente en prácticamente toda la cinta. Pero Rambo no es solo una producto de entretenimiento, también es un filme que denuncia las atrocidades que el ejercito comete en Birmania.
Es notable como Sylvester Stallone consigue mostrar todo el horror de la guerra en su largometraje. Aquí Rambo es mas un antihéroe que el héroe que todo el mundo conoció en la segunda y tercera película. Un guerrero forjado en los más sanguinarios combates y que debe abandonar su vida pacifica para cumplir su destino en el campo de batalla. Por otro lado uno no puede evitar notar la clara influencia de La pandilla salvaje (Sam Peckinpah, 1969) en la batalla final del filme. Rambo es una película que termina donde todo comenzó. Es el final del camino a casa que Rambo inicio en el primer filme y que cierra magistralmente la saga que comenzó en 1982. Quizás los fans de Rambo lamenten la ausencia del actor Richard Crenna (quien estuvo presente en los tres primeros filmes y que murió en el año 2003). Sin embargo, su ausencia también es fundamental par que la película mantenga su atmósfera crepuscular.
Con Rambo, Sylvester Stallone ha conseguido darle un inmejorable tributo final a uno de sus personajes más emblemáticos. Ya lo había hecho con Rocky Balboa y ahora repite el plato con esta película. Sylvester Stallone ha demostrado ser un gran director y escritor. Esperemos que de ahora en adelante se el buen Stallone se dedique de lleno a ambas profesiones.
Rambo es un filme que merece ser disfrutado en la gran pantalla. El guión es muy bueno así como el aspecto visual de la película. Una inolvidable aventura final par uno de los héroes de acción más populares del cine.

Análisis de Sweeney Tood - El barbero demoníaco de la calle Fleet

2008-03-12T12:01:00.000-07:00

Tim Burton es un cineasta con un estilo tan personal que uno de inmediato sabe cuales son sus películas simplemente viendo la primera escena. Quizás el único filme que parece no haber sido dirigido por este gran director sea el monstruoso y decepcionante remake de El planeta de los simios. Afortunadamente esa cinta ha sido el único tropiezo que ha tenido Tim Burton durante toda su brillante carrera.
Sweeney Tood (2007) es la ultima película de Tim Burton y esta basada en el musical de Stephen Sondheim y Hugh Wheeler. La cinta narra la historia de Benjamin Barrer (Johnny Depp, actor fetiche del director), un barbero que regresa a Londres después de haber pagado por años una injusta condena. Él vuelve a Inglaterra con el único deseo de reunirse con su esposa e hija y también vengarse del hombre que le arrebato todo lo que amaba. Su sed de venganza hará que Benjamin Barker se transforme en el Sweeney Tood, un sanguinario barbero quien con sus inseparables navajas teñirá con sangre su vida.
Sweeney Tood es una película muy buena y que atrapa al espectador desde la primera escena. Las actuaciones son impecables y la música es simplemente genial. El filme esta cargado de escenarios góticos que son resaltados exquisitamente por la excelente fotografía. Si bien el tono oscuro y gris es el que predomina durante toda la película, hay una secuencia que contiene colores vivos y que maravilla por la belleza de sus imágenes.
Sweeney Tood es quizás la película más sangrienta de toda la filmografía de Tim Burton. Las escenas de degollaciones son bastante crudas y muy explicitas. Definitivamente este no es un filme para personas susceptibles o con fobia a la hemoglobina. Sweeney Tood es una cinta que no aburre en ningún minuto. Las canciones son formidables y por momentos se puede respirar el origen teatral de la historia
Me gustaría comentar como dato curioso que el nombre del Perú se menciona dos o tres veces en los diálogos iniciales del filme. Pero si hay algo que realmente disfrute de la película además del notable argumento fue la deliciosa presencia de la actriz Jayne Wisener, quien en el filme interpreta a Johanna, la encantadora y bella hija de Sweeney Tood.
Sweeney Tood es una película que muestra una vez más el innegable talento de Tim Burton. Si te gustan las historias de amor trágicas y sazonadas con horror y violencia, entonces esta cinta es para ti. La película es una gran musical que ningún verdadero cinéfilo y fan de Tim Burton se puede perder.
Litros de sangre y una cautivante historia son solo dos de las cosas que verán quienes se atrevan a visitar la espectral barbería ubicada en la calle Fleet.

Galería - Resident Evil 5

2008-02-28T12:43:00.000-08:00

Análisis de Alien vs. Depredador Requiem

2008-01-25T11:01:00.000-08:00

Luego de la gran decepción que resulto ser la primera película de Alien vs. Depredador, dudo mucho que alguien hubiera esperado con entusiasmo una secuela. La verdad es que yo tampoco deseaba ver otro filme enfrentando estos dos monstruos espaciales, a menos que la historia se replanteara totalmente y sobre todo se contratara a otro director. Cuando mire el trailer completo de Alien vs. Predator Réquiem, de inmediato me di cuenta de que el filme gozaba de un aspecto visual más sombrío y violento que la cinta anterior. Sin embargo, eso no garantizaba que la trama fuera interesante, así que solo me quedo aguardar el día del estreno y de ese modo comprobar que tan buena era la película.
Alien vs. Predator Réquiem (2007) es una película dirigida por los hermanos Strause, quienes se declaran súper fans de las dos imponentes criaturas del espacio. Cuando me entere de eso, pensé que la cinta tendría una historia superior a la de la primera película. Sin embargo, luego de ver el filme, supe de inmediato que los hermanos Strause no eran tan fans como decían ser.
El filme comienza justo en el preciso momento done acaba la primera película. En esta oportunidad un pueblo de los Estados Unidos será el lugar donde Alien y Depredador libraran su encarnizada batalla. La narración de la película es demasiado acelerada. En ningún momento los directores se interesan en desarrollar mejor las historias de los personajes humanos del filme. Uno puede notar de inmediato que lo único que quieren es solo mostrar las escenas de combate. Además los personajes están muy mal construidos. Son tan simples y en algunos casos tan fríos que difícilmente logran transmitir algún tipo de sentimiento. La sangre y las escenas fuertes están presentes en el filme. Sin embargo, uno puede hallar contenido mas extremo en las películas que Alien y Depredador protagonizan independientemente.
La película tiene muy pocos momentos de interés. Quizás lo mas tractivo de todo el filme sea ver al Predalien, una nueva especie alienígena que afortunadamente goza de un diseño impresionante.
Una escena que merece ser mencionada es cuando el Depredador parte a la tierra desde su planeta. También a lo largo del filme se pueden apreciar referencias a películas como Predator (1987) y Alien 3 (1992). En la película trabaja la bella Reiko Aylesworth (serie de televisión 24) quien en el filme interpreta a una mujer aguerrida, pero que difícilmente le llega a los talones a la recordada Ellen Ripley (Sigourney Weaver).
El final de la película es abierto al igual que el primer filme, lo cual demuestra que la Twenty Century Fox quiere seguir explotando esta nueva franquicia a pesar de que ninguna de las dos películas es tan buena como los filmes de originales de Alien y Depredador.
A pesar de no ser la película esperada, Alien vs. Predator Réquiem es superior a la primera película, dirigida por Paul W. S. Anderson (quien es el responsable de llevar al cine con pésimos resultados las franquicias de Mortal Kombat y Resident Evil). Si bien la trama es poco atractiva, algunas escenas de combate te hacen olvidarte de eso por un instante.
Personalmente pienso que si se quiere hacer una buena película de Alien vs. Depredador, se debe dejar de lado la historia actual y plantear otra totalmente diferente. Sin embargo, dudo mucho que los productores vayan a hacer eso, así que solo queda aguardar que le tercer filme tenga un buen guión. Para terminar. Si en realidad quieres ver a estos dos seres del espacio en todo su esplendor, entonces consigue de inmediato las cuatro películas de Alien y las dos de Depredador. Solo estas películas te mostraran detalladamente los estilos de vida de las dos criaturas más fascinantes y temidas de la galaxia.

Análisis de Mouse - Ladrón de corazones

2008-01-25T10:58:00.000-08:00

Si te gustan las chicas anime a más no poder y estas buscando a las más bellas y desinhibidas, entonces busca cuanto antes Mouse, una serie que te fascinara desde el primer capitulo y que difícilmente podrás olvidar.
Mouse es una serie de anime de 12 episodios y que esta basado en el manga de Satoru Akahori (guión) y Hiroshi Itaba (dibujo). Cada capitulo dura aproximadamente trece minutos, lo cual permite que la serie pueda ser vista de principio a fin en tan solo un día. La duración de la serie es algo que vale la pena resaltar, ya que a pesar de que este anime esta cargado de un fan service de alto voltaje, la historia es de lo más simple y carente de originalidad.
Mouse es la historia de un joven pr5ofesor de arte en una preparatoria, quien en las noches se transforma en Mouse, un famoso y hábil ladrón que es capaz de robar los objetos más valiosos y burlar a la policía con suma facilidad. Pero él no comete solo sus fechorías. Para asegurarse de que sus millonarios hurtos salgan a la perfección, Mouse cuenta con la ayuda de tres bellas y exageradamente voluptuosas jóvenes. Las tres infartantes féminas se desempeñan como profesoras en la misma preparatoria donde Mouse enseña. Cuando Mouse es simplemente un joven profesor de preparatoria es tratado con reproches y rudeza por sus tres compañeras. Sin embargo, cuando los cuatro están en la intimidad de su departamento, las tres jóvenes se vuelven sumisas y muy cariñosas. Las tres voluptuosas mujeres no solo son ayudantes de Mouse, también son sus sirvientas y no es extraño oírlas llamándole “Amo” al afortunado ladrón.
La serie cuenta con episodios autoconclusivos. Solo casi al final de la serie hace su aparición un villano de peso al cual Mouse debe derrotar. Sin embargo, dicho enfrentamiento no es muy interesante, aunque tampoco es aburrido. Sin duda alguna, el atractivo principal de este anime es ele contenido pícaro, el cual en algunos capítulos roza el genero hentai.
En Mouse sorprende bastante como son presentadas las tres jóvenes protagonistas. La sumisión y la obediencia que le profesan a Mouse es demasiado exagerada, por no decir inverosímil. Sin embargo, es de esperarse que en un anime de estas características la actitud de los personajes femeninos sea así. Estoy seguro que si una feminista viera esta serie, de seguro viajaría hasta Japón para moler a golpes a los autores del manga y a los creadores de la serie.
Como escribí líneas arribas, Mouse es un anime que no tiene una trama original. Sin embargo, cada capitulo es entretenido. Además la presencia de las tres féminas de ojos grandes es un ingrediente que le hace olvidar al espectador la falta de un guión mas solidó.
Mouse definitivamente es un anime solo para hombres, lo cual se puede ver a simple vista desde la secuencia de apertura. La serie contiene grandes dosis de humor y muchas escenas que muestran en todo su esplendor las voluptuosas anatomías de las bellas compañeras de Mouse. La acción también esta presente en este anime ligero y divertido.
Mouse es una muy buena opción para quienes quieran ver un anime entretenido y que no tenga muchos episodios. Además las bellas mujeres de esta serie son un muy obsequio para todos aquellos que decidan acompañar a Mouse en sus espectaculares y divertidos robos.

Opening de la serie

Ending de la serie

Análisis de I am legend/Soy Leyenda - Érase una vez un hombre llamado Robert Neville

2008-01-25T10:54:00.000-08:00

I am Legend (2007) es una película de ciencia ficción dirigida por Francis Lawrence y basada en el libro de Richard Matheson. El rol protagónico recae en el popular Will Smith (Independence day, Men in black, Ali) quien en el filme interpreta a Robert Neville, el ultimo hombre sobre la tierra.
La película nos muestra un futuro apocalíptico en donde un terrible virus ha transformado a los seres humanos en grotescas criaturas sedientas de sangre. Solo el doctor Neville logra librarse de ese horrible destino debido a que su cuerpo es inmune a esa extraña enfermedad. El argumento se desarrolla en la ciudad de Nueva York, la cual luce solitaria y fantasmal en el filme. El doctor Neville solo tendrá la compañía de su perra Sam como único remedio para combatir la soledad mientras intenta hallar una cura que devuelva al planeta tierra a la normalidad.
Esta no es la primera vez que se adapta el libro de Richard Matheson al cine. Anteriormente ya se habían filmado The last man on earth (1964) con Vincent Price en el rol principal y The omega man (1971) protagonizada por el legendario Charlton Heston. Además hace unos años se planeo hacer otra adaptación del libro con Ridley Scout en la dirección y a Arnold Schwarzenegger en el rol protagónico. Desgraciadamente el elevado presupuesto impidió que el proyecto se concretara. Es una verdadera lastima, ya que de haberse hecho la película, de seguro hoy en día tendríamos otro clásico de la ciencia ficción. Pero quien si pudo hacer su propia adaptación fue Matt Groening, quien en uno de los famosos especiales de halloween de los Simpsons puso a Homero como el último hombre sobre la faz de la tierra.
I am Legend es una película que cuenta con una actuación muy sólida por parte de Will Smith, quien sabe transmitir los sentimientos de soledad que habitan dentro de su personaje. La ambientación de Nueva York también es impresionante. El filme intercala escenas de los últimos momentos del doctor Neville con su familia con la apocalíptica realidad que vive el protagonista.
Personalmente creo que los mejores momentos de la cinta son aquellos en los cuales el doctor Neville debe cuidarse de que la raza de vampiros que habitan la ciudad no lo conviertan en su próxima presa. Las criaturas que gobiernan de noche la gran metrópolis son realmente intimidantes y su presencia en el ecran es bastante perturbadora. Pero la película no solo contiene terror, también nos narra el drama de un ser humano que intenta no enloquecer por la soledad que día a día lo consume. El final del filme es bueno, aunque creo que hubiera sido bueno que la visión apocalíptica de la cinta también hubiera estado presente en el desenlace de la historia. Aun así es un final que no arruina para nada todo el contenido de la película.
Como datos adicionales quisiera comentar que la perra Sam no existe en el libro original. Además en el libro, el personaje que interpreta Will Smith no intenta encontrar una cura, lo que busca es solamente sobrevivir al horror que esta viviendo. Finalmente, el titulo del libro “Soy leyenda” tiene significados muy distintos tanto en el filme como en el libro original. En la película se le considera leyenda al doctor Neville porque este logro hallar una cura para el virus. En cambio en el libro, el doctor Neville se convierte en leyenda porque fue el único que enfrento a los vampiros y además porque él fue el único hombre sobre la tierra.
I am Legend es una película muy recomendable, que no solo cuenta con escenas espectaculares y estremecedoras, sino también con muy buenas actuaciones. Acompaña al doctor Neville y a su perra Sam en su escalofriante aventura y recorre junto a ellos las solitarias calles de una ciudad fantasma llamada Nueva York.

Análisis de Macross II - Lovers Again

2008-01-06T15:00:00.000-08:00

Recién el año pasado pude mirar los seis capítulos OVA de Macross 2. Sin embargo, ya me había topado antes con esta secuela de mi anime favorito. Fue durante la secundaria que un amigo me invito a su casa para ver los dos primeros capítulos OVA, los cuales estaba en formato VHS y doblados al español. Afortunadamente los temas de apertura estaban intactos, lo cual me permitió convertirlos en mis favoritos desde es momento.
Macross 2 Lovers Again es un anime compuesto por 6 capítulos OVA y que fue lanzado en 1992. El proyecto solo contó con la participación de Haruhiko Mikimoto en el diseño de personajes. Desgraciadamente Shoji Kawamori no participo en esta secuela con sus extraordinarios diseños mecánicos. Al ver las OVAS uno se puede dar cuenta de inmediato la ausencia del maestro Kawamori. Los diseños mecánicos de Macross 2 son realmente pobres si los comparamos con los mostrados en la saga original. Afortunadamente el diseño de personajes a cargo de Haruhiko Mikimoto nos hace olvidar por unos momentos la falta de originalidad en los mechas.
La historia de Macross 2 se desarrolla 80 años después de los eventos ocurridos en la saga original. El protagonismo recae en Hibiki Kanzaki, un joven periodista quien siempre anda en busca de un reportaje que le haga ganar audiencia al canal donde trabaja. Su vida cambiara radicalmente luego de ver como las fuerzas terrestres son arrasadas por la raza alienígena Mardook, quienes utilizan a los zentraedis en sus batallas. En medio de la batalla, Hibiki conocerá a Ishtar, una hermosa joven quien es utilizada por los mardook para cantar canciones que contrarresten las usadas por la U.N. Spacy en contra de los Zentraedi. Para cerrar el triangulo amoroso (el cual nunca puede faltar en una historia de Macross) hará su aparición Silvie Geena, quien es considerada una de las mejores pilotos de Valkyrie.
A diferencia de la saga original, en Macross 2 el triangulo amoroso esta muy mal trabajado. El desenlace de este triangulo se resuelve muy fácilmente y carece de emotividad. En ningún momento de los seis capítulos se ahonda lo suficiente en las relaciones amorosas como para hacer verosímil la conclusión de la historia de amor.
El aspecto visual de las OVAS es bueno. Sin embargo, como escribí líneas arriba, la falta de un buen diseño mecánico hace que la animaron no sobresalga demasiado. Eso es una lastima, ya que si el diseño de mechas hubiera sido tan sobresaliente como el diseño de personajes, este juego de OVAS hubiera resultado todo un deleite para los ojos. Por suerte la música de Macross 2 mantiene un buen nivel de calidad y gracias a eso podemos oír un puñado de excelentes canciones.
El final de Macross 2 es totalmente inesperado. Cuando comencé a ver las OVAS jamás imagine que Macross 2 tendría un final como ese. Es un desenlace que no dejara indiferente a ningún fan de Macross y a ningún otaku en general.
Yo soy un fan de la saga Macross al cual considero uno de los mejores animes de todos los tiempos. Es por eso que me es difícil hablar mal de un anime que tanto quiero. Macross 2 no es una mala secuela. Sin embargo, palidece al lado de la saga original o de una obra maestra como Macross Zero.
Hoy en día Macross 2 es considerado como un futuro alternativo dentro del universo Macross. A pesar de la falta de un guión mejor desarrollado, Macross 2 es un anime entretenido y que cuenta con muy buena música. Además ver los excelentes diseños de Haruhiko Mikimoto es un buen motivo para darle una revisada a esta secuela de la épica y legendaria saga de Macross.

Opening de las OVAs

Ending de las OVAs

Análisis de Zatoichi

2008-01-06T14:57:00.000-08:00

Zatoichi (2003, basada en las novelas de Kan Shimosawa) es una cinta escrita y dirigida por el genial Takeshi Kitano, quien además asume el rol del famoso samurai ciego. Así como lo leen. Zatoichi es la historia de un samurai que no puede ver, pero quien a pesar de tener ese impedimento, maneja la espada como todo un maestro.
El verano de Kikujiro (1999) fue la primera película que vi en el cine de este gran realizador japonés. Luego de esa primera grata experiencia, seguí la carrera del popular Beat Takeshi a través de los periódicos. Lamentablemente las distribuidoras locales nunca trajeron al Perú más películas de Takeshi Kitano, y si lo hicieron, jamás les dieron la debida promoción.
Zatoichi si fue exhibida en Lima. Sin embargo su paso por la cartelera capitalina fue fugaz (algo que sufren muchas películas que no pertenezcan al universo hollywoodense).
Recién el año pasado pude conseguir una copia en DVD de esta película. Zatoichi es un filme que goza de un asombroso acabado visual. Las escenas de combate son espectaculares y además se nota claramente la influencia del anime en ellas. El estilo cinematográfico de Takeshi Kitano se siente a lo largo de toda la película. Cada personaje es tan interesante como el protagonista, lo cual hace que la película se disfrute en todo momento. La música del filme es también digna de todos los aplausos. Pero como todo buen cinéfilo debe saber, el alma de una película siempre será la historia y no la apabullante cantidad de recursos visuales que esta tenga. Afortunadamente Zatoichi tiene una trama apasionante y cargada de momentos violentos y también dramáticos. Y por si todo eso no fuera suficiente, el gran Beat Takeshi le regala al espectador un fascinante número musical al final de la película. Además durante dicho número se puede apreciar el desenlace final del filme.
Zatoichi es definitivamente una obra maestra. La cinta no aburre en ningún momento y además posee un final de lo más inesperado. El número musical del final es una maravilla al igual que todo el filme. En conclusión, esta película solo confirma por que Takeshi Kitano es considerado con toda justicia uno de los mejores cineastas del mundo.

Análisis de Rurouni Kenshin - Réquiem por el patriota de la restauración

2008-01-06T14:55:00.000-08:00

Rurouni Kenshin es un anime con el cual me tope por primera vez durante la secundaria. La serie llego al Perú con el nombre de Samurai X y fue transmitida de lunes a viernes en las tardes. Al ver el primer episodio, me di con la grata sorpresa de que los temas de apertura y cierre estaban en su idioma original (o sea japonés). Como todo buen otaku debe saber, en Latinoamérica son escasos los animes que conservan sus canciones en japonés. La vedad es que casi siempre los temas son traducidos al español e interpretados por cantantes que4 dejan mucho que desear. Es por eso que desde un comienzo, Rurouni Kenshin fue muy bien recibida por los verdaderos aficionados de este lado del mundo.
En el Perú desgraciadamente Samurai X fue sacada de programación cuando esta estaba en su mejor momento. Luego de eso fue repuesta en horarios bastante inapropiados. Sin embargo, pese a ello, los fans peruanos si pidieron ver los capítulos de la serie que restaban gracias a la televisión por cable. Además. Hoy en día se puede hallar la serie en Internet y en su idioma original.
Rurouni Kenshin fue creado por el mangaka Nobuhiro Watsuki. La popularidad del manga hizo que este fuera rápidamente adaptado al anime. Pero Rurouni Kenshin no solo fue llevado a la televisión. En 1997, Rurouni Kenshin da el gran salto a la pantalla grande con la película Rurouni kenshin Ishin shishi e no requiem (Rurouni Kenshin Réquiem por el patriota de loa restauración). En el film kenshin debe de enfrentar una vez más su tormentoso pasado y además intentar no quebrantar su juramento de no volver a matar personas. En esta aventura, Kenshin tendrá la compañía de sus inseparables amigos: Kaoru (quien es algo mas que una amiga), Sanosuke y Yahiko.
La película cuenta con una buena animación y una trama lo suficientemente interesante para no presionar Stop a la mitad del film. Personalmente me gustaron las referencias históricas que se hacen a lo largo de la película. Por otro lado la banda sonora es excelente y realza perfectamente cada escena del film. Una mención aparte merece la canción de apertura titulado Niji (arco iris), la cual es interpretada por la conocidísima banda de rock nipona Larc en ciel. El tema de cierre se titula Towa no mirai y es interpretado por el grupo Animetal. Sin embargo, a pesar de no ser una mal canción, no consigue igualarse al genial tema de apertura.
La película de Rurouni Kenshin es un anime que entretiene, pero que difícilmente podrá estar algún dia junto a los grandes filmes de la animación japonesa. Si eres un fan del samurai pelirrojo, entonces esta película es para ti. En cambio, si eres de los que buscan una película de anime con una trama compleja y una animación impresionante, entonces mejor no veas esta película. Con esto no quiero decir que la película de Kenshin sea mala, solo que si la ponemos al lado de monstruos de la animación como Paprika o Mononoke Hime, las abismales diferencias se notaran de inmediato. Pese a todo, La película de Rurouni kenshin es un anime que tiene una gran legión de admiradores. Sin embargo, personalmente prefiero Huellas del pasado, un juego de OVAS que muestran al mejor Kenshin de toda su filmografía y que cuenta con una trama mucho mas madura e interesante.

Video de la canción Niji